Форум » Театры » Мастерская П. Фоменко » Ответить

Мастерская П. Фоменко

Villina: http://fomenko.theatre.ru Посмотрела "Белые ночи". Поняла смысл слова "мечтатель"...

Ответов - 5

miliuna: "Волки и овцы", 18.02.2016 Меня где-то с января этого года безумно тянет в театр. И я уже не раз в нем побывала. На этот раз моим весьма дорогим (в прямом смысле слова) впечатлением стала «Мастерская Петра Фоменко» с их классической постановкой-визитной карточкой: «Волки и овцы». Поставленный более 20 лет назад спектакль и сегодня собирает полные залы и приводит в восторг зрителей. Но все-таки по порядку. Состав: Меропия Давыдовна Мурзавецкая - Мадлен Джабраилова Аполлон Викторович Мурзавецкий - Рустэм Юскаев Глафира Алексеевна - Галина Тюнина Евлампия Николаевна Купавина - Полина Кутепова Анфуса Тихоновна - Галина Кашковская Михаил Борисович Лыняев - Алексей Колубков Василий Иванович Беркутов - Карэн Бадалов Вукол Наумович Чугунов - Тагир Рахимов Клавдий Горецкий – Кирилл Пирогов Павлин Савельич - Андрей Казаков Это – классическая постановка, практически полностью по тексту Островского (а я пьесу прочитала ударными темпами за один день, и даже читала в антракте) лишь с небольшими вкраплениями «лишних» фраз, которые, впрочем, весьма оживляли действие и придавали чуть больше привычной комедийности происходящему. По сравнению с пьесой и описанными обстоятельствами, декорациями, типажами есть некоторые расхождения, например, в возрасте основных персонажей, несколько во внешности, впрочем, так ли это важно для данного спектакля? Исполнение актерами «Мастерской» свих ролей делает образы выпуклыми, придает им характеры, понятные и осязаемые, отчасти закладывает дополнительный смысл в каноническое произведение. Впрочем, постановка достаточно нейтральная и она просто приятная, без отсылок к современной действительности, а поэтому на века, она просто не может потерять своей актуальности. Спектакль создает ощущение какого-то домашнего уюта, который лишь усиливается приятными впечатлениями от очень хорошего зала в новом здании театра. В основном спектакль исполнен артистами среднего возраста, причем они играли как молодых персонажей, так и старых (Мурзавецкая). Выделить можно любые образы. Мурзавецкая похожа на ведьму или Бабу Ягу: в темном или даже черном, с длинным сующимся не в свое дело кривым носом (или создающим впечатление кривого), цепкая, бойкая, но пытающаяся при этом отчасти подчеркнуть свою немощь. На темные силы в спектакле похож еще Беркутов, появляющийся во втором акте: он похож на самого дьявола, как по манерам, так и внешне, столь же хитрого и столь же мало понятного и мало предсказуемого. Пожалуй, именно этот персонаж выглядит наиболее отличающимся от всех остальных – как гость с другой планеты, в данном случае, из Петербурга. Все остальные здесь – мило провинциальные, и даже Глафира, в Петербурге пожившая, все же провинциально-проста. Волки в овцы в постановке, кажется, периодически меняются местами, прячутся и создают образ друг друга. Единственная чистая «овца» - вдова Купавина. Столь мило наивная и невинно забавная. Все остальные или охотятся друг на друга, или обманываются. Очевидное воплощение определения «волк в овечьей шкуре» - Глафира. Слишком живая и карикатурная в черных монастырских одеждах, и очаровательно-нахальная в светской одежде. Ее пара с Лыняевым – это что-то необыкновенное. Она будто рассказывает сказки, как Шехерезада, зачаровывает, расставляет капкан, когда почетный гражданин считает себя свободным, убеждает в свободе, а сама ее незаметно забирает. Очень впечатляет в своей не особо большой роли Мурзавецкий. Здесь он не просто легкомысленный повеса: он человек, у которого определенно есть позиция, с которой его не сдвинешь. Пусть он в основном молчит, а когда говорит, лучше бы молчал, но позиция чувствуется и ощущается. Купавина – одна из главных героинь – наиболее безобидная личность, ее интонации, голос… Таким сложно привлечь внимание, она будто все время где-то еще, а не на земле и не здесь, сначала она вообще кажется куклой, а не живым человеком. Трудно поверить в существование чувств у нее, до второго акта и до появления Беркутова. Его появление – будто доказательство, что и у воды есть вкус. Хочется отметить то, как поставлены сцены в спектакле. Каждая из них каждым движением актеров наполнена своим смыслом. Будь то спящий на заднем плане лакей или гамак, либо изящно летящий, либо карикатурно трещащий. Герои взаимодействуют с окружающими предметами, существуют среди них. Они могут скрыться, играя, за шторой, могут в ней запутаться. Тот же гамак – это сети, что же еще. Плетущая свою интригу Глафира на них качается, а попавшийся Лыняев в них запутывается. Один и тот же диван на сцене становится частью разного интерьера: скромный и простой он у Мурзавецкой и покрытый кружевными покрывалами он у Купавиной. Оформление в целом кажется очень теплым, хорошо подходящим к неспешному действию, которое разворачивается перед нашими глазами. Герои плетут кружева интриг, волки и овцы меняются местами, на заднем плане играет теплая спокойная музыка, уносящая в прошлое. В целом, актеры играют очень спокойно, хоть и комедийно. С одной стороны, спектакль весьма традиционный, но с другой герои все же отчасти выражают свои эмоции комедийно ярко, одними интонациями заставляя зал смеяться. Часть сцен поставлена весьма современно, с современными позициями и действиями героев, что вряд ли было возможно во время действия спектакля, но возможно сейчас. Ничего сверхъестественного или пошлого, но лишь некоторое преувеличение, смотрящееся в спектакле более чем органично. Актеры произносят свой текст, а интонациями порой говорят больше, чем словами, будто передавая еще и мысли своих персонажей. Отдельно хочется отметить самое начало спектакля. Если в музыкальных постановках есть увертюра, которая музыкально знакомит с дальнейшим действием, то «Волках и овцах» есть некоторая подобная сцена. Начало спектакля в полумраке, почти тьме, фонари выхватывают кружащихся в круговороте времени героев в разные моменты спектакля, произносящих важные для спектакля фразы, еще не понятные зрителю, но происходящие. Что это за вступление? Может, это как машина времени, уносящая нас в то время, когда эти герои жили, любили, обманывали и обманывались. Вступление помогает влиться в спектакль, привыкнуть к нему, познакомиться с героями. Для меня оно прекрасно. Несмотря на то, что поставлена чуть ли не школьная классика, постановку смотреть очень интересно, даже несмотря на продолжительность спектакля. Она дарит очень хорошее настроение, легкость. Она – для всех зрителей: и для театралов, которым интересно копаться и оценивать, и для просто зрителя, приходящего в театр развлечься, отдохнуть. Она – вечно актуальная и вечно понятная. Она – очень спокойная. Это – спектакль из тех, на которые можно вести любого зрителя, не опасаясь, что может не понравиться. Данный спектакль понравится всем. Что важно: за 20 с лишним лет спектакль не разболтался. Он смотрится прекрасно. Видно, что актерам самим очень нравится играть эти роли. Их удовольствие передается в зал. Невероятные эмоции.

miliuna: "Сон в летнюю ночь", 07.03.2016 Очередным сильным театральным впечатлением для меня стал «Сон в летнюю ночь» «Мастерской Петра Фоменко», номинированный на «Золотую Маску» в этом году. Посмотрев этот спектакль, я опять могу с уверенностью сказать, что эксперты знали, что выбирали, т.к. спектакль достоин ее полностью и абсолютно, по всем параметрам. Основное, на что обращаешь внимание в этом спектакле – это оформление, стиль, сценическое движение, т.к. перевод кажется вполне привычным. На этот раз ткань, ее движение, эффект, который она создает – главный козырь в руках создателей постановки. Костюмы героев не яркие, выполнены в приглушенных тонах, причем костюмы каждых явно дают понять, из какого они мира: людей или волшебных созданий. Костюмы простолюдинов, ставящих свою пьесу, выглядят наиболее земными, как и они сами. Афиняне – все в белом, жители лесов – приглушенные мягкие краски характеризуют их костюмы. В спектакле за скобки выведена свита Титании, они есть и их нет на сцене. Эти люди, создающие движение ткани – их лица закрыты, они почти невидимы, как лесные эльфы. Видны лишь те, кого надо увидеть на сцене, остальные вдруг исчезают, одновременно оставаясь. Первая сцена выстроена на удивление графично: четкие движения актеров, как танец. Герои выглядят словно статуи – все в белом на белом фоне, оживают лишь когда говорят, только глаза их выдают чувства, эмоции, какую-то реакцию. История рассказывается так, будто мы видим какие-то рисунки на стенах древних храмов. Замершая история. Лишь Гермия ломает эту графичность, становится живой на фоне этих статуй, заставляет вдруг стать живыми и их, сходит из древнего мифа на землю. Чарующий лес, в котором происходит большая часть действия – другой. Он обволакивает и затягивает в сон, но он и пробуждает чувства. Здесь нет места графичности. Ткань, ее волнение, которая была лишь статичным фоном в афинских сценах, здесь становится живой, и вот уже перед нами заросли волшебного леса, где-то ухают совы, какая-то мистическая музыка создает атмосферу колдовства. Здесь мы знакомимся с правителями этого волшебного мира – Титанией и Обероном, сыгранными теми же актерами, что изображают афинян Ипполиту и Тезея. Титания случайно ли или специально кажется продолжением той самой Ипполиты, чье согласие на брак с Тезеем, кажется завоеванным и не слишком добровольным. Титания здесь сопротивляется своему супругу, как королева эльфов она живет так, как хочет. Образ Оберона же совсем не выглядит Тезеем с другой точки зрения, хотя пересечения, несомненно, есть. Это самостоятельный герой, похожий на древнего мудрого волшебника, хранителя леса и людей, решившего проучить свою супругу. Оберон и наблюдатель, и действующее лицо, совершенно мистическая фигура. Не знаю уж, как удалось, но Оберон появляется в разных частях сцены и даже зала совершенно неожиданно, так, будто он телепортируется, что не захочешь – поверишь в его волшебную сущность. Афиняне в этом лесу в своих белах одеждах становятся его частью и его пленниками. Они будто не замечают красоты и опьяняющего дурмана этого леса. Они бегают друг за другом, общаются друг с другом, путаются и оказываются пленниками этого леса. Их судьбами и мыслями завладевает Оберон: он способен дать им великое счастье или отнять его. Он вовсе не отрицательный герой, но относится к людям с некоторым снисхождением, как к низшим существам, чьи жизни целиком в его руках. Его помощник – Робин-Добрый малый. Он похож на веселого бесенка, но беззлобного. Этот герой подвижен, черты его лица ярко подчеркнуты. Он почти все время на сцене, закручивается в самые невероятные узлы. Он лазает по деревьям-тканям, он танцует с персонажами, увлекая и дурманя их. Он забавляется. Едва ли это получилось случайно, но Робин очень похож на Николая Цискаридзе, причем не только внешне, но и движениями. Временами вспоминается Смерть из РиДж, но с той разницей, что здесь Робин – пусть и мистический герой, но действующее лицо, чьи поступки влияют на судьбы людей, и вовсе не несет он зла и боли. Здесь лишь слегка затронута тема сопротивления высшим силам настоящей любви, но она есть… Если посмотреть на реакцию Лисандра – красивого и трепетного юноши – после закодовывания его каплями растения, можно увидеть, что человеческое его чувство чуть сопротивляется, и он не сразу верит в новую любовь. К чувствам человеческим, искренним, отношение здесь с одной стороны уважительное: Оберон старается помогать любви, как мягкой и благородной (Лисандр и Гермия), так и отчаянной и сумасшедшей (Елена). Чувства Елены здесь вообще доведены до предела: к ней и ее предательству не испытываешь неприязни, ведь все сделано впопыхах и лишь ради любви. Она гоняется за Деметрием, и их бесконечная гонка выглядит комично, когда герои носятся по всему залу и всей сцене. Впрочем, эта героиня кажется растерянной, когда все происходит наоборот, получив желаемое, Елена теряется, и кажется счастливой «по течению», не до конца верит она своему счастью, кажется, сомневается, счастье ли вообще она обрела. С другой стороны, к человеческим чувствам отношение снисходительное: так легко их обмануть и так забавно наблюдать за последствиями обмана. Помимо центральных персонажей, в чьей сюжетной линии есть и некий трагизм, есть еще и чисто комичные сюжеты. Это Титания, влюбившаяся волею Оберона в человека с головой осла, и простые люди, ставящие с невероятной серьезностью пьесу про Пирама и Фисбу. В первом случае занятной оказывается метаморфоза: голова осла подчеркнуто игрушечная, даже не в театральном стиле, а именно в детском, а персонаж быстро становится ослом сам, начинает думать, как осел. Что это? Извлечение животного из человека? Все люди внутри животные? Возможно, ведь эта тема имеет продолжение и во влюбленных героях. Пока волшебные создания развлекаются, люди им полностью подвластны, их движения и действия все больше похожи на инстинктивные, они ведомы не человеческим, а животным, эта сущность идет изнутри героев. Так перед нами уже и не девушки, аккуратные и нежные, а разъяренные кошки с растрепанными волосами-шерстью. Елена, кажется, куда раньше оказалась близка к этому состоянию, но и Гермия тоже стала такой, пусть она и не околдована. Что это? Сильный стресс ведет к такому перевоплощению, не иначе. Хочется отметить блистательный финал. Все-таки совсем не зря правителей людских и правителей волшебных изображают одни и те же актеры. Решение Тезея выглядит логическим продолжением действий Оберона: он теперь стоит на страже любви против самодурства, а Ипполита становится продолжением Титании и ее усмиренной страсти, теперь покорности. Не слишком большой персонаж, ее характер раскрыт через царицу эльфов, как и суть ее суженого. Завершается все, как и у Шекспира, веселым представлением простых тружеников. Они с удивительной серьезностью, но крайне неумело, пусть и со старанием пытаются представить свою пьесу, что это выглядит на редкость комично. Зрители пускают реплики, а актеры выходят из образов и общаются с этими зрителями (молодоженами). Забавно все: получившийся реквизит, взаимодействие актеров, совсем не ставших своими героями, а оставшимися собой, друг с другом. каждое движение буквально вызывает смех. Такое чисто человеческое завершение постановки. Одновременно вдруг превратившийся из распорядителя празднеств обратно в Робина герой напоминает нам о связи между магией и людьми, и сон ли это был или наяву… Красивый финал. Хочется отметить сценическое движение: каждый шаг героев выверен, интересно не только, что скажут актеры дальше, но и куда пойдут и что сделают. Актеры много взаимодействуют с декорациями и с залом самим: они выполняют почти акробатические трюки, лазают по свисающим тканям-лианам, заворачиваются в них, перемещаются по залу, забираются на лестницы, встают на ограждения бельэтажа (и как держатся только). Так сам зал оказывается местом действия, и зрители уже не в стороне, а в том самом заколдованном лесу. А оформление! Помимо раскрашенных светом тканей-лиан, помимо традиционного приема создания волны при помощи ткани, сколько здесь находок! Лесные сцены начинаются с игры со светом: восходящая луна и какой-то персонаж на ней, блуждающие тени, луч, падающий на дыру в полу, которая оттого светится и откуда выбирается Робин! Потрясающее музыкальное оформление, буквально погружающее в атмосферу. Появляющийся то тут, то там Оберон: мистика, не иначе! Оформлено все так качественно, что иногда приходит ощущение нереальности происходящего, ощущения фальши нет совсем, ни на секунду. Поразительный эффект! Я буду очень даже рада, если «Маска» достанется этому спектаклю. Это действительно выдающееся зрелище, производящее сильнейший эффект на зрителя! Очень рекомендую! Безумно красиво, безумно интересно поставлено и очень профессионально сыграно!

Villina: Джеймс Джойс, "Улисс". Если мне скучно, когда со сцены ШЕСТЬ часов читают таблицу умножения - я латентный математик? Спасибо барду Стивену (Юрий Буторин) - без него бы совсем хана...

miliuna: "Капитан Фракасс", 28.09.2017 На спектакль «Капитан Фракасс» Мастерской Петра Фоменко я шла в приподнятом настроении и с ощущением, что я очень соскучилась по театру, на этот раз, уже осенью, хотя обычно тоска такого рода меня накрывает все-таки весной. Эта постановка определенно не относится к числу ведущих премьер театра, известных имен здесь нет, играют молодые актеры Мастерской, зато это не условный «Вишневый сад» в 100500 раз, а что-то относительно оригинальное. Если вкратце говорить о сюжете, то он о благородном дворянине-бароне, который волею судьбы присоединяется к бродячему театру и становится его актером. Поставлено по мотивам одноименного романа Теофиля Готье, чье имя я, к прискорбию своему, слышу впервые. На деле сюжета как такового у постановки нет. Есть вот эта основная идея, но нет стержня, нет основной сюжетной нити, за развитием которой было бы интересно следить. Эта постановка оказывается спектаклем о жизни бродячего театра вообще, об их маленьких приключениях, но без внутренней интриги, раскрытие которой могло бы стать ключевой точкой спектакля. То, что главный герой благородных кровей, ни для кого не тайна, это даже попутно встречающимся людям хорошо известно, роман нашего барона с актрисой протекает весьма вяло, а больше следить особо не за чем, так как финальной цели ни у барона, ни у труппы нет. Они идут в Париж, но в какой-то степени это тоже не финал, а промежуточная точка в их бесконечном гастрольном турне. Такой спектакль не о чем, да еще комедия по жанру, должен быть, по крайней мере, смешным. Причем не просто смешным, а перманентно смешным, смешным почти в жанре импровизации, искристым. Как у «Квартета «И». Здесь нужна легкость, озорство, определенная доля абсурда и никакой серьезности. Возможно, поэтому практически все роли отданы молодым актерам театра. Однако так не получается. Получается сумбурно, затянуто, часто скучно и очень мусорно. Актеры слишком серьезно играют свои роли, видимо, такова была установка режиссера, они не могут дурачиться, за исключением, может, одного, это чувствуется, это все портит. Их шутки чаще всего несмешные из-за такого настроя, и все ждешь положительных изменений, а их все нет. В какой-то момент создается впечатление, что режиссер начал ставить спектакль, что-то пошло не так, не получается, он пытается вырулить, выплыть, а все равно не получается, появляются какие-то классные находки, но сам спектакль от этого классным не становится. Очень сыро и недоделано. И, увы, не смешно. В отношении этого спектакля, кажется, слышала я выражение «комедия дель-арте», из-за чего вспоминается идеальный по стилю питерский «Ворон», виденный на «Золотой Маске». «Капитан Фракасс» проигрывает ему по всем параметрам. В «Капитане» единого стиля будто и нет: минимализм в декорациях, но какие-то слишком серьезные и громоздкие костюмы-тряпки, не соответствующие этому минимализму. «Ворон» был идеально современным и очень злободневным, а «Капитан Фракасс» очень старомоден, пришел из какого-то поросшего мхом прошлого. «Ворон» был новаторским, а «Капитан Фракасс» выглядит устаревшим. Нет в нем идеи, совсем нет. Он ничего нового не несет вообще, что для постановки одного из ведущих московских театров выглядит катастрофой. По стилю игры актеров сравнивать с «Вороном» я не стану, скорее, напомнило «Лукрецию Борджиа» Комеди Франсез, но там в игре актеров была и серьезность, и дурашливость, поставлено было точнее. Итак, мы имеем проблемы с сюжетом и динамикой. Здесь ощущение слишком большого количества мелких событий и полное отсутствие событий крупных. Есть серьезная проблема с тем, чтобы занять актеров на время произнесения ими длинных монологов. Длинные монологи в театре – это вообще опасно, и здесь эту опасность не обошли. Слишком часто в таких ситуациях актеры ничем не заняты. Это приводит к скуке. С другой стороны, в какие-то моменты герои, напротив, все как-то копошатся, а центра этого копошения нет. Их приключения чаще всего не несут в себе никакого смысла, в каждый момент хочется уже уловить отправную точку, сюжет, который стал бы развиваться, но его нет. Что-то немного меняется во втором действии, где на первый план выходит герцог де Валломбрез, но его еще дождаться надо, да и маловато одной небольшой линии на весь спектакль. Кстати, о героях. Их очень много. Причем авторы постановки до такой степени пытаются уделить внимание каждому, что главные герои своей увеличенной доли внимания оказываются лишены. Во многом именно слишком большое количество героев и характеров приводит к ощущению перенасыщения происходящего на сцене. Не понравилось, как обошлись с маркизом де Брюйером как героем: он появился как промежуточный персонаж, который должен был исчезнуть, пусть отчасти и повлияв на действие, но потом он появляется снова, только уже как бессловесный друг герцога де Валломбреза, явно второстепенный и не понятно зачем появившийся снова. Почти как слуга, вот только по знатности равный. В итоге не понятный в своем назначении персонаж. Он не имеет своих планов, не плетет своих интриг, такой бессловесный наблюдатель. Но только и наблюдателем в полной мере он не является: он не рассказчик, он не ведет зрителя по истории, как та же дуэнья. Непонятный персонаж. А еще в спектакле очень много музыки: герои поют, и часто. Здесь, на мой взгляд, имеет место ошибка: поющим актерам не дают микрофон, как делают во многих театрах (не только музыкальных), что приводит к гораздо худшему звучанию их голосов. Здесь есть центральная музыкальная тема, впрочем, зачем в этой постановке столько песен, тоже до конца не понятно, особенно, зачем герои переходят с языка на язык. Песни не очень гармонично вплетены в повествование, отчего отчасти выглядят чужеродными. Ну и, наконец, об актерах. Вот они скорее понравились. Очень талантливые молодые актеры Мастерской Петра Фоменко. На мой взгляд, принципиально с ролями справляются все. Мне скорее понравился А.Мичков, играющий барона де Сигоньяка (он же Капитан Фракасс), понравилась и М.Большова, играющая его возлюбленную Изабеллу. Впрочем, им совсем не удалась любовная линия, точнее, ей. Если в искренность чувств капитана скорее веришь, то девушке – нет. Сама по себе она хороша, но с ее стороны совсем нет этой актерской «химии». А по характерам из этой пары девушка интереснее: в ней есть смесь серьезного и комичного, за миловидной внешностью явно скрывается серьезный характер. В бароне же комичного гораздо меньше, он предельно благороден, а еще искренен. Ближе к концу его искренняя сцена получается вообще здорово, но характер все же довольно прямолинейный. Окружающие пару прочие актеры тоже хорошо справляются со своими ролями, и роли эти требуют выразительности: Зербина вызывает большую симпатию своей живостью, Леандр очень любопытно выглядит внешне, да и играет любопытно. Появляющийся позднее маркиз де Брюйер совсем не прописан, и играющему его актеру играть просто нечего, а жаль. Зато настоящей звездой мне показался главный злодей этой постановки герцог де Валломбрез – Ю.Титов. Наиболее разносторонняя роль, да еще превосходно сыгранная. Наверное, этому актеру единственному удалось быть озорным, дурачащимся, легким, отчаянно молодым. Он невероятно смешон там, где это надо, трогателен, если это требуется, неприятен в соответствующие моменты. А еще он невероятно музыкален! В какие-то моменты он двигается под музыку так, будто он с ней единое целое. Он ее очень хорошо слышит. Этот актер просто отчаянно талантлив. Его герой более других имеет развитие, более других меняется, и актеру удается это передать. От него я просто в восторге. Подводя итоги, я скажу, что хотела бы видеть «Капитана Фракасса» менее серьезным, в жанре, может, театрального капустника. Получилось все же монументально, а едва ли так задумывалось. Проходная достаточно постановка, зато выводит на сцену молодых актеров, на которых точно приятно посмотреть, которые и правда талантливы, и обаятельны. Впрочем, даже их молодая энергия не способна сбить пыль с этой старомодной постановки. А жаль.

miliuna: "Амфитрион", 02.10.2017 Насколько меня разочаровал «Капитан Фракасс», настолько и даже больше мне понравился «Амфитрион». Впрочем, это было предсказуемо: французская команда, профессиональная труппа театра сделали свое дело. Необычный, креативный, нескучный спектакль, причем еще и недлинный (кстати, на том же Чеховском фестивале иностранные постановки длинными не были, что обратило на себя мое внимание). Креатив начинался даже с программки, которая выполнена в виде зеркала, в котором отражается название спектакля. Вообще оформление в этом спектакле просто волшебное. Центральным элементом, как нетрудно догадаться, является зеркало, причем расположенное под таким углом, что создается ощущение, что зритель смотрит на героев сверху, будто с небес, где должны жить боги – герои этого спектакля. Зеркало вполне двигается, и ощущение это при необходимости меняется. Зеркало создает атмосферу, иногда создавая ощущение отражения даже не в себе, не в зеркале, а на водяной глади, придавая некоторую нереальность происходящему. Зеркало часто главный элемент, когда смотреть надо именно в него, ибо просто на сцену бессмысленно, например, тот же нарисованный домик Созия ближе к финалу. Зеркало создает атмосферу некоторой заповедности, интимности, например, когда в нем отражаются кругом выставленные горящие свечи: это уже почти не спальня, а даже жертвоприношение. Здесь я немного отвлекусь и скажу, что совсем недавно видела зеркало в «ГрозаГроза» Театра Наций, но там этот прием и близко не имел такого эффекта, не использовался, не играл. Здесь, конечно, все гораздо более продумано, вкусно, профессионально. В спектакле активно задействованы спецэффекты, в частности, дым. На сцене его порой столько, что все скрывается в этом артистическом дыму, что позволяет исчезнуть актерам, а вкупе с двигающимся зеркалом зритель будто оказывается в каком-то мистическом месте: то ли это облака, то ли какое странное болото. Простой прием, но насколько здесь эффектный. Не менее простой прием и поднимающийся изнутри сцены стул с артистом, который создает ощущение, что видим мы порождение зла, Дьявола, хотя в данном спектакле это не совсем так. Или так? Учитывая не совсем добрые поступки этих богов к людям, чем они добро, а не зло? Хочется отметить восхитительно созданные сцены: актеры ни минуты не замирают, они играют, за ними интересно наблюдать. А первая сцена – почти мимическая, ведь произносимый Ночью и Меркурием текст так трудно воспринимать, но актеры его так отыгрывают, что оторваться просто невозможно. Каждое слово здесь сопровождается действием, одно вытекает из другого – плавно, аккуратно, эффектно. С одной стороны, зеркало несколько отгораживает зрителя от происходящего, от актеров, некоторые элементы их игры подчеркнуто театральны, как и интонации, с другой - актеры идут в зал, там взаимодействуют со зрителем с пугающей достоверностью, чуть ли не стреляются, залезают на ручки кресел, что полностью неожиданно для любого зрителя. Костюмы здесь строги и лаконичны, идеально сочетаются с не менее строгим оформлением спектакля. Действительно, почти магический круг из свечей хорошо сочетается со строгим платьем, но не подходит к платью «пух и перья». Созию, чтобы быть забавным, вовсе не нужен костюм шута, а богам для их величия не нужны королевские одежды. В этом потрясающем спектакле, построенном на обмане богами простых людей, на завладение богами чужими личностями заняты актрисы-близнецы сестры Кутеповы. Удивительно, но их героини единственные, какие не перепутаны между собой, не изменены, не подменены. Их героини чуть ли не самые театральные, и они как бриллианты сверкают на строгой диадеме-спектакле. Их сходство вызывает любопытный эффект, не прямой, но эмоциональный, как относительно понятной является и связь их судеб: так или иначе обиженные своими мужьями, страдающие, но гордые. Одна госпожа, другая служанка, но боги решили посмеяться над обеими почти в равной степени. Глядя друг на друга, они по сути смотрят в собственное отражение. Как в некотором роде и их мужья, точно так же одинаково обманутые. Удивительная ирония в игре этих близнецов-актрис. Потрясающие Полина и Ксения, они – центр этого спектакля, его сердцевина. Невероятно понравился Карэн Бадалов в роли Созия. Потрясающая юмористическая роль. Какое перевоплощение в забавного труса, хитреца, сколько пластики в движениях этого проворного слуги! Он абсолютно убедителен и невероятно обаятелен! Он как …хорек, шныряющий туда-сюда, не слишком положительный, но, в целом, и не плохой. Просто замечательно сыгранная роль: так часто Созий на сцене один, и долго один, но смотреть на него невероятно интересно. Остальные роли сыграны не менее профессионально и качественно, но не произвели столь сильного впечатления. Конечно, это спектакль-заявка. Восхитительный, умный, оригинальный: такая нескучная классика и не классика одновременно. В этой постановке однозначно чувствуется заграничная рука, но и от актеров зависит очень многое. Советую убедительно посмотреть «Амфитрион». Это действительно великолепно.



полная версия страницы