Форум » Театры » Театр как искусство: события (2) » Ответить
Театр как искусство: события (2)
Anna-Maria: Предлагаю тут делиться разными событиями, которые происходят в нашей театральной жизни События 1
miliuna: "Эвита", Свердловский театр музыкальной комедии на сцене театра на Таганке, 26.09.2018 Я, наверное, целую неделю не могла найти времени написать про «Эвиту». Сейчас же, отойдя от прочих впечатлений, напишу. Основной мой вопрос: и за что Алексея Франдетти так ругают? Ну ведь не так все плохо. Даже совсем неплохо, особенно с учетом, что спектакль поставлен силами не московского и не петербургского театра и без участия известных мюзикловых имен. Хочется сразу оговориться, если кто не знает, что Алексей ставил полусценическую версию, иными словами, никаких декораций не было, реквизита минимум, разве что, актеры выходили играть в костюмах. Думаю, сделать подобный спектакль убедительным гораздо сложнее, чем традиционную постановку, где есть возможность использовать полноценные декорации для создания атмосферы – это очень важное средство. Я могу точно сказать про себя, что для меня наиважнейшим элементом является актерская игра, за хорошие образы многое готова простить, но для осознания и понимая спектакля в целом нужно все. Это как прокат программы в фигурном катании без костюма – может оказаться совсем не тем. Так что полусценическая версия – вызов, обнаженные идеи, то, что способно показать силу режиссера или слабость, ведь замаскироваться просто нечем. А у Алексея получилась история. Конечно, здесь есть небольшой мухлеж, скажем так, ведь перед спектаклем совершенно бесплатно раздавали весьма подробное описание жизни Эвиты Перон, однако понять, что происходит на сцене, вполне можно и без малейших знаний об этой женщине. Для зрителя происходящее на сцене – путешествие во времени в компании студента Че, с одной стороны, равнодушного, но с другой – эмоционального. Спектакль начинается с похорон Эвиты: этой демонстрации абсолютного горя, сопровождаемого хлесткими и даже жестокими словами Че, что призвано дать понять, что Эвита вовсе не была однозначной личностью. Собственно, похоже, что показать неоднозначность «ангела» - цель всей постановки. В этом тщательно рисуемый образ главной героини: с одной стороны, в первых же сценах она – невинная юная и, кажется, наивная девушка, темноволосая девчушка, заслушивающаяся выступлением известного певца, а с другой – она все же вполне хищница, использующая его для попадания в Буэнос-Айрес. Тот же контраст в ее характере продемонстрирован и в дальнейшем: вот она выгоняет, ни на минуту не задумавшись, бывшую возлюбленную Перона, а вот – готова идти на баррикады за ним. Или благотворительность, когда пара-тройка банкнот оказывается не переданной так любимому простому народу. Сюда же и слова Эвиты, когда она вдохновляет Перона, что она же пошла за ним, значит, победа за ними – это показатель некоторого эгоизма и даже самоуверенности героини. Алексей совершенно сознательно выводит всех прочих персонажей, кроме Эвы, на второй план: Перон выглядит как эхо эффектной жены, как ее тень, но ни разу не кажется сильным и уверенным лидером простого народа. Вокруг героини мелькают люди, события, которых она почти не замечает, однако несколько акцентов действие имеет: песня брошенной возлюбленной Перона, страдающей по вине Эвиты, повторяется в финале уже в ее исполнении, или поддержка Эвиты, когда она протягивает руку Перону – только позови, и в безнадежном финале уже история наоборот, только Перон дает руку жене, он поет, что будет рядом, но отдаляется, не может помочь. Кажется, что спектакль показывает, как все возвращается Эвите бумерангом. Хочется обратить внимание и еще на тот момент, что так называемое высшее общество, частью которого не может стать девушка, выглядит как сборище официантов и обслуги, которую они так презирают. В драгоценностях позволено ходить лишь самой Эвите, и больше никому в этой постановке. Интересно еще и следующее: когда Перон получает власть, выступает перед народом, и потом выходит его жена, она вся в белом, и кажется в этот момент, что она выходит замуж за саму Аргентину, в этот момент становится ее синонимом. Очень грамотно у Алексея используется свет и экран. Не могу сказать, что здесь есть что-то выдающееся, но отдельные моменты стоит выделить: свечи на экране создают ощущение гибели, банальный, казалось бы, дворец создает ощущение присутствия в соответствующих местах, и особенно отмечу фигуру самой Эвиты в начале – как воспоминание о ней, и в финале, когда ровно в такой же позе на фоне этого экрана оказывается актриса, закольцовывая действие, - Эвита «уходит в бессмертие». Подумалось и еще об одной идее, имеющей место в спектакле. За каждым великим мужчиной стоит великая женщина. Впрочем, как я говорила, Перон здесь вовсе не великий. Более, того, он может показаться жалким, он поет как эхо, даже не как живой человек. Он боится, когда героиня рвется вперед. Его оружие – красные плакаты, развивающийся флаг Аргентины на экране, лозунги и она. А ее – близкие народу слова. Впрочем, остальные мужчины (кроме Че) здесь тоже если не комичны, то малозначимы: множество возлюбленных Эвиты до замужества, которых она использует, тот самый как бы известней певец – все будто ступени для нее, и даже знакомство с Пероном. Она решает за него, что она с ним будет. Хочется сказать еще пару слов о костюмах: они показались, в основном, удачными, в частности, мне нравится вневременной костюм Че, подчеркивающий вечность воплощаемого им молодежного духа бунтарства и его сверхъестественную природу. Мне почти нравятся костюмы Эвиты, кроме платья на приеме, где, простите, вылезает и виден бюстгальтер – это «грязь» в постановке. Не очень мне понравилось еще и то, что разнесенные по времени и смыслу сцены Эвита проводит в одном платье: можно было бы добавить какой аксессуар, чтобы показать разницу. Хорошая идея и с высшим обществом-прислугой. Может, здесь смысл в том, что они все равно служат кому-то, кто имеет власть, и это так иронично, что в некотором смысле – девушке из низов. Костюм Эвиты для тура прост и довольно элегантен, в нем есть отсылка к дорожным костюмам всяких герцогинь и принцесс. Игра актеров, за отдельным исключением (увы, существенным), мне скорее понравилась. Отдельно подчеркну, что, в основном, все хорошо поют, особенно я это выделяю, вспоминая новосибирскую «Безымянную звезду», которую прямо больно слушать от осознания хороших голосов и опереточной манеры, чуждой для мюзикла. Теперь же хотелось бы отдельно написать про исполнителей основных ролей, это существенно. Игорь Ладейщиков – Че. Для меня этот молодой человек – настоящие открытие спектакля. Артист с очень красивым ярким голосом, слегка напоминающий молодого Александра Постоленко (из-за прически, наверное), очень здорово поющий. Че – персонаж почти мистический, но не совсем отрешенный. Мне понравилось, как в самом начале Че страстно убеждает скорбящих о тщетности их молитв, но вдруг становится понятно, что парень чуть ли не больше остальных переживает из-за смерти Эвиты. Он активный, яркий и быстрый, он то там, то здесь – он везде. Это – всезнающий герой, но, ввиду его полуреальности, никто особо его не замечает, когда он говорит жесткую правду. Сам же он вполне переживает за героев, и это заметно. Ближе к финалу Эвита танцует с ним, и кто он ей? Ее совесть? Ее судьба? Мне показалось поначалу, что Игорь чуть переигрывает, но потом стало ясно, что всего в самый раз. Просто молодость героя – его захватывают эмоции, он ярче прочих может переживать и чувствовать. Завершая писать о нем, скажу, что очень хотелось бы увидеть Игоря в московском спектакле: на мюзикловой сцене точно нужны новые яркие имена, и все у актера есть, чтобы стать любимцем столичной публики. Леонид Чугунников – Перон. Довольно странно поданный образ. Голос будто из неоткуда, как эхо. Его Перон – безвольная тень жены. Даже внешний вид: ничего привлекательного, простота, скромность. По взаимодействию с Эвитой трудно сказать, но никакой любви тут нет, а хотелось бы, есть отношение к ней как к товарищу, наверное, все. Татьяна Мокроусова – Эвита. К сожалению, то самое «увы». Давно я не видела настолько вульгарный, насквозь фальшивый образ. Конечно, совершенно очевидно, и весь спектакль ровно об этом, что Эвита не так проста. Что она не ангел. Но должно же быть в ней что-то настоящее? Татьяна, к сожалению, играет довольно…грубо, когда ее Эва танцует с Пероном, поет, что ему будет с ней хорошо, кажется, что она сейчас вытащит кинжал из платья и ударит Перона в спину. Когда Эва поет про Буэнос-Айрес, про звезду, в ней столько самовлюблённости (это нормально), но нет, собственно, страсти к Буэнос-Айресу, есть лишь желание покрасоваться. Да что там, даже во время речей перед народом Эва себя красивую показывает, и совершенно непонятно, как такая женщина может кого-то вдохновить. От нее так и веет бутафорией. Никакого шарма и очарования. Переодевшись в костюм для тура, Эва поправляет шляпку раз 100, так что это почти начинает раздражать. Не верю, что Алексей Франдетти поставил именно так. Отдельная песня – болезнь Эвиты. Сказать, что показать постепенное угасание звезды не удалось – не сказать ничего. Сначала Эве совершенно неправдоподобно становится плохо во время тура, а потом она очень театрально в плохом смысле слова падает уже ближе к финалу. Не верю! Где же та самая постепенность? Где переход от сияющей Эвы к умирающей? Перон в финале поет, что улыбка героини потухла, а я как зритель и не увидела. Самое обидное, чего не удалось показать Татьяне – где ее Эвита настоящая. Что она любит или кого? Перона? Вот вообще не вижу. Аргентину? Она поет о любви к Аргентине, но это выглядит как слабо сложенный образ, и никакой любви нет. Так зачем весь этот цирк? В чем страсть Эвиты? В какой момент мы должны ее понять? А чем она завоевывала людей? В ней нет страсти, нет любви, нет привязанности. Она красивая, но пустая. Я не верю в этот образ. А еще что меня разочаровало – актриса очень отличалась от всех коллег тем, что пела очень не очень. Я бы сказала даже, что плохо, и что это слышно даже мне – простому зрителю. Это не было так называемым «актерским» пением – я не услышала игры голосом и интонаций. Это не было эстрадно-мюзикловым пением. Это не было профессионально. Быстрые мелодии Татьяна просто не вытаскивает, она банально не успевает проговаривать текст (например, та же «…только я и город Буэнос-Айрес, о, Боже мой!» - вообще больше ничего не расслышала из всей песни). Даже и на звук не спишешь – в театре на Таганке он превосходный. Про остальное просто хочется промолчать. Так что главная проблема весьма приличного мюзикла «Эвита» в постановке Алексея Франдетти – исполнительница главной (!!) роли. Она просто «не тянет». Она не очаровательна, не интересна актерски, не убедительна и – УВЫ!!! – она слаба как певица (и это в мюзикле!). Думаю, стоит заменить исполнительницу, и спектакль заиграет новыми красками. Подводя итоги, скажу, что мне было правда интересно, меня увлекло, я готова была сопереживать героям, я почти не замечала отсутствия декораций: реквизит и экран вполне прилично его заменяли. Мне понравились тексты, мне, в целом, понравился актерский состав (особенно, исполнитель роли Че). Но спектакль очень проседает из-за исполнительницы главной роли. Я же не слепая, а это так очевидно. Конечно, я написала о ней довольно резко, но я даже и не знаю, как написать иначе… Здесь речь уже совсем не о «вкусах не спорят».
Listik: ничего особенного... просто я дошла до Геликон оперы. Давали Турандот. Хорошо давали. Современная сценография, минимальная, но с участием 3D Луны (мне так показалось), и других световых решений. Но я больше о самом помещении и духе... Мне очень и очень все понравилось. Молодежь вежливая и приветливая, предупредительная и вполне разговорчивая - это службы фойе, гардероба, зала. Перед звонками звучит фоновая вальсовая музыка (в мой визит). Это так настраивает не событийное времяпрепровождение... И бьет фонтан по дороге в гардероб. Все ухоженное, отремонтированное. Микс из классицизма и современности. Перед спектаклем стихийная небольшая экскурсия для зрителей. Мне о ней любезно рассказал сотрудник. Я, вероятно, в это время в буфете угощалась. А буфет - вапще отдельная песня. Просто отличный ассортимент на все вкусы Зал Стравинский интересно декорирован. Звездное небо... акустические колокольчики... Посадка зрителей амфитеатром, так что хорошо видно отовсюду. Акустика замечательная. Оркестр звучал великолепно. И, кстати, бегущая строка на двух языках: русском и английском, а также обращения к зрителям тоже дублировались. В общем, меня все увиденное и услышанное очень воодушевило
miliuna: "Коварство и любовь", Малый драматический театр - театр Европы на сцене Et Cetera в рамках Биеннале театрального искусства, 19.10.2018 Мне не удавалось попасть на спектакли МДТ Театра Европы года 3 подряд, ну, то есть, на них я не была никогда, так как на привозимые в рамках «Маски» спектакли невозможно было купить билеты, а если и были гастроли не в ее рамках, то я об этом не знала: тяжеловато отслеживать, что привозят в Москву самые разные театры, так как информация не очень тиражируема и разрозненна. Но сейчас почти случайно о гастролях МДТ я узнала, хотя до последнего не была уверена, что пойду – ценник очень кусался, но в какой-то момент самые дешевые билеты чуть подешевели и вошли в рамки разумного. Благодаря спектаклю «Коварство и любовь» я увидела на сцене, наверное, главного киноактера современности – Данилу Козловского, и это приятно. Хотя шла я, в первую очередь, на спектакль МДТ, и главный их актер в постановке стал, назовем это так, бонусом. Стол, стул, девушка в белом платье читает книгу. Безмолвие. Вдруг к ней подлетает молодой человек, парочка начинает страстно целоваться и обниматься. Книга забыта. Безмолвие. Времени не существует. Звуков не существует. Только покой и безмолвное счастье. Они улыбаются друг другу, целуются, почти смеются, но не издают ни звука. Они где-то, не здесь. Их счастье любит тишину. Счастье разбивается, когда появляются слова. Совершенно не важно, кто их произносит, важно лишь то, что слова нарушают безмолвие любви. И вот уже пару обсуждают, пусть пара будто за стеклом, не слышит, не видит, а будущее ее уже предопределено. Они застывают, будто в картине «Поцелуй» Франческо Айеца – картина счастья перед расставанием и большим несчастьем. Как и у художника, эта любовь – чувственная и страстная. То есть человеческая, уязвимая. Черные фигуры отца и его секретаря ткут нить судьбы черно-белого сына, рассуждая о будущем, выгодах, успехах, ничуть не заботясь о чувствах. Любви нет, она им не знакома. Ни отцовская, ни к женщине. Поэтому на сцене нет матери. Лишь отец, он же палач для собственного сына. Любовь сына – она не трогает, может, потому что слишком земная, или эта темная почти всемогущая фигура просто не верит в существование любви как таковой. Отец и сын, они говорят друг с другом с ложным пафосом, будто чужие люди, вынужденные заключать сделку, и лишь изредка сквозь саркастичную холодность сына прорывается страстная и нестабильная его натура. А на сцене все равно ничего нет…Лишь столы и стулья, приносимые безмолвными чьими-то прислужниками. С явно видимым микрофоном в ухе, они так часто на сцене, и они исполняют чьи-то указания. А еще на заднем плане то ли крест, то ли подобие сооружения-виселицы, которое буквально светится, когда сцена погружается во мрак. Предзнаменование чего-то нехорошего. А еще на сцене есть единственный комедийный персонаж – леди Мильфорд – стареющая любовница некоего всемогущего герцога. Она и сама всемогущая…Возможно. Она ходит по этим столам при помощи этих прислужников, выделывая разные па, будто каждую минуту пытается удержать ускользающую молодость с ее гибкостью и легкостью. Вот только молодости уже почти нет, и она непременно потянет какую-нибудь мышцу, осознав это. Она ходит по столам, будучи, с одной стороны, над двором, обладая властью, но это лишь столы, и власть ее несколько фальшива. Она ходит не сама, ее носят на руках, и стоит ее отпустить – она упадет. Она тоже зависима. А первый ее разговор – с Фердинандом (сыном) – тоже с ложным пафосом, как предыдущая беседа сына с отцом. То ли ложь, то ли правда, отец и сын слушают ее, сидя на разных сторонах сцены, за столами, не особо веря этой барышне в белом. В белом, но в белом будто нижнем белье, а не белом будто подвенечном платье. Она – женщина – перед мужчинами будто на трибуне, но говорит будто в пустоту. Один ее слушатель черный, другой – черно-белый. Стороны натуры, стороны души. Поэтому Фердинанд, только что страстно целовавший свой Луизу, готов целовать леди, уже одетый больше в черное, чем в белое. Целовать, но говорить о как бы любимой. А леди…Она в белом, вот только под белым платьем черные лосины, будто гнилая душа под маской овечки, которой она лишь хочет казаться. Логично, что эти лосины видно в этот момент: момент почти падения Фердинанда и такой простой слабости все познавшей леди. А в незапятнанно белом позволено быть лишь Луизе. Лишь она в белом платье, которое не показывает черных лосин, ведь их нет. Она, видимо, здесь ангел. Она и, может, ее мать-старушка – почти бессловесное существо, тенью следующее за черно-белым мужем. У этого ангела есть характер, и она готова спорить и защищаться, например, в сцене импровизированного будто суда, когда по одну сторону Луиза, Фердинанд, ее родители, а судья – отец Фердинанда. Но зачем ее характер, если она все равно покорно следует своей судьбе, споря, кажется, просто из любви к спору. Она более других запутывается в уже плетущихся сами по себе сетях, не веря в даже шанс выбраться, отталкивая саму возможность. Луиза – ангел, от этого она более других склонна к крайностям, и пасть она готова чуть ли не ниже, чем все остальные. От ложного пафоса речей героев, от картинной любви первой части спектакля почти все переходят в страстное отчаяние, и слезы – они застывают в глазах женщин, а безумие накрывает мужчин. Каждый очень увлечен собой и своими страданиями. В чем их трагедия? Они не слышат! Не слышат никого, кроме себя, не слышат – и не хотят слышать – друг друга. Спектакль явно содержит отсылки к Ромео и Джульетте, и вот уже еще живые Фердинанд и Луиза лежат на столах будто в склепе, и рядом нож. Только Ромео и Джульетта были жертвами абсурдно сложившихся обстоятельств, а герои «Коварства и любви» создают абсурд собственными руками. Они анти-Ромео и анти-Джульетта. Герои Шекспира хотят сбежать и спастись, а эти герои от спасения шарахаются как от чумы, будто страдания – их единственная цель, а вовсе не счастье. Герои не слышат друг друга. Наверное, это главное, это – ключевое. Единственное их счастье было в безмолвии и тишине начала спектакля. Но стоило прозвучать словам, счастье рухнуло. Луиза не хочет слушать Фердинанда, а Фердинанд не хочет слушать Луизу, когда каждый из них – спасение для второго. Они действуют, по слепому убеждению, и, может, клянут судьбу, но создают ее сами. Финальные сцены – свечи будто в склепе, а потом – будто на мрачном средневековом пиршестве, и «лимонад». Он красный, будто кровь, и, конечно, ему суждено пролиться и испачкать и белизну скатертей, и одеяния героев. Черное, белое, черно-белое. Женщины в белом, мужчины в черном. Тишина, прерываемая словами, лишь изредка – в комедийных сценах – тихая музыка. Все это – крайности. Тишина – крайность. Крик – крайность. И ничего, совсем ничего уравновешенного. Женщины и мужчины будто с разных планет. Их тянет друг к другу, но конкретно здесь они друг друга не слышат, не замечают. А просто слова, не выворачивающие душу наизнанку, не с надрывом, но спокойные, могли бы спасти. Но так здесь никто не говорит. Данила Козловский проводит своего Фердинанда сложным путем, но только не к спасению, а к гибели. Он делает Фердинанда саркастичным и даже чуть самоуверенным в первой части спектакля, но даже в еще спокойной части сквозь маску презрения к чьим-то словам и чьему-то мнению прорывается отчаяние и страсть – те два чувства, которые поведут Фердинанда во второй части. Козловский делает героя привлекательным и даже симпатичным вначале, даже с налетом легкомыслия, но дальше страстная и отчаянная борьба героя за свою цель превращается в наваждение, и, находящийся все время на взводе герой уже, скорее, пугает. Думаю, у Козловского-Фердинанда цель подменяет в какой-то момент любовь, а письмо Луизы – оно порождает сбой на пути к цели, и просыпается не столько ревность, сколько недовольство и личная оскорбленность. Цель у него – всего лишь чтобы все было так, как нужно ему. Как – не важно, но по его воле, в сущности, он жуткий эгоист. Финальный его жестокий выход, в некоторой мере, тоже достижение цели, просто потом происходит ее подмена, и слезы на его глазах – слезы разочарования, что все было зря. Данила Козловский в спектакле и привлекательный, и отталкивающий, и здравомыслящий, и безумец, и любящий, и ненавидящий. Иногда по очереди, иногда – одновременно. В конечном счете, он играет сходящего с ума героя, чье спокойствие наводит ужас чуть ли не больше, чем взрывы гнева или страсти. Екатерина Тарасова – Луиза. Девушка в белом платье, слабый ангел в этих сетях. Екатерина наделяет своего ангела сильным и дерзким характером, который каждую минуту пытается бороться с обстоятельствами, но это борьба ради борьбы, ведь Луиза каждую минуту подчиняется. Актриса играет любовь, но любовь странную, совсем не жертвенную, как можно было бы подумать, а какую-то…безнадежную. Будто Луиза сама себе вынесла приговор, и сама себя решила наказать. Страдание ради страдания, мученичество ради мученичества. Но это все равно самообман, глупость, ведь она не возвышенная, пусть и чистая, и любовь ее вполне земная и чувственная. Кажется, что девушка запутывается, с каждой минутой все сильнее, будто даже не в сети попала, а в зыбучие пески, она то борется, то сдается. Екатерина-Луиза позволяет себя мучить, и пусть во второй части ее глаза будто воспаленные от слез, она этого мучения хочет. Она не жертвует собой ради любви, она непонятно что творит. Ей ее Фердинанд даже и не нужен. Может, ей надо в прошлое вернуться, в спасительную тишину? Как и ему… Они с Фердинандом будто впервые узнают друг друга и друг друга даже боятся, потому что полюбили не таких возлюбленных. Этот ангел… она все равно эгоистично думает о себе, в первую очередь, как и он, и в этом плане их любовь – любовь незрелых подростков, чувство сильное, но, возможно, не очень настоящее. Данила Козловский и Екатерина Тарасова очень убедительны в первых страстных сценах, очень убедительны в любовном взаимодействии, и убедительными они остаются и во взаимодействии-противоборстве в финале, где оба, кажется, уже чуть не в себе. Оба переходят от любви к другому к любви к себе, к заботе о собственном, может, фальшивом чувстве, будь то вера в мученичество (у нее) или вера в цель и собственную волю (у него). А любовь как таковая пропадает, испаряется, ее нет, может, и не было. Ксения Раппопорт играет единственную комедийную роль – леди Мильфорд. Она умудряется быть одновременно женственной и грубой, одновременно невинной и порочной. Она смешная, но мудрая. А еще…в ней будто давно умерли все чувства, в отличие от пары главных героев, в которых чувства только проснулись. Она их не ненавидит за их дерзость, но завидует им, что они чувствовать еще способны. Ксения просто филигранно создает образ: вместо матери-наставницы перед нами, скорее, сторонняя наблюдательница, которой даже и не хочется вмешиваться в происходящее. Ее интонации, ее движения… В них столько иронии, юмора и, одновременно, усталости от этого мира. Актриса умудряется сыграть фальшивость героини, не позволяя фальши себе самой. Конечно, ее леди не может убедить никого и никогда, она играет, а ей подыгрывают. Эта роль почти не влияет на происходящее, но она дает разрядку повышающемуся напряжению спектакля, своей легкостью она сбивает излишнюю серьезность, и такая она необходима. Игорь Иванов – человек в черном, президент фон Вальтер. Актер не играет дьявола, он играет человека, погрязшего в собственных интригах, оттого почти совсем потерявший светлое в своей натуре. Однако немного белого есть даже на нем, не поэтому ли он отпускает Фердинанда в конце?.. Я не упомянула бы эту роль и образ, если бы не неподражаемый бессловесный диалог с леди в ряде сцен, очень живая реакция на происходящее, что показывает президента не просто жестоким интриганом, но и тоже слабым перед кем-то человеком. Любви в нем нет, наверное, и человеческого почти ничего тоже. Кроме этой слабости и страха перед сильными мира сего. Также заняты в постановке: Игорь Черневич (Вурм), Сергей Курышев (учитель музыки), Татьяна Шестакова (жена учителя). Мне понравилось лаконичное оформление спектакля, где нет не просто ничего лишнего, а почти ничего нет: только столы, стулья, скатерти, свечи, а актеры все в черном и белом. Тем не менее, этого более чем достаточно, чтобы донести мысль и рассказать историю. Минимализм здесь не цель, но средство, более чем хорошо использованное в постановке. Такому искусству сделать классный спектакль минимумом средств нужно учиться. Мне понравились актерские работы, будь они чуть слабее, все рухнуло бы. Здесь есть пространство, где играть, но в то же время все удивительно на своем месте, и жесты, движения – значат. А еще спектакль совсем не затянут, он недолог, а я последнее время стала ценить такие постановки. Наверное, мне даже не с чем сравнить, где еще постановка была бы сопоставима по стилю. Мне однозначно понравилось.
Listik: Проторенной дорогой добралась до Севильского цирюльника. Управлял оркестром итальянец, тенорил за графа другой итальянец. Фигаро был сед, но прыток. Наверное, так надо. А яма что творила! На увертюре незаметно глазу и так не глубоко сидящий оркестр подняли почти на уровень сцены, в таком состоянии, согласитесь, удобно принимать аплодисменты и раскланиваться. А после опустили глубоко-глубоко. Яма там конкретная. Занятная постановка. Как принято в домах высокой культуры оперы поются на языках создателей. Спектакль Геликона включал 2 поющих языка: итальянский и в лице одного из персонажей местами русский. Было необычно и весело одновременно воспринимать такое. Определенно, что-то в этом есть (как не вспомнить Бурлакову Фросю). Ну и буфету не оставалось уже ничего другого как повторить высоту
miliuna: "Лебединое озеро" Евгения Плющенко на ВТБ-Арене, 30.12.2018 в 18:00 Я довольно долго для себя пытались решить, хочу я идти на ледовое шоу Евгения Плющенко «Лебединое озеро» или не очень, но все-таки пошла в предпоследний день, так как костюмы, да и сама эстетика шоу показались интересными. Фигурное катание и балет – два очень близких вида искусства, фигуристы регулярно ставят программы на музыку из классического балета и частенько работают с балетными хореографами. Однако объединить в одно действие лед и сцену – интересный вызов, на воплощение которого в жизнь было любопытно взглянуть. Пожалуй, как первая подобная «ласточка», шоу вполне получилось. Очень помогает и танцорам, и фигуристам сама музыка: при хорошем исполнении она неизменно козырь, она неизменно ведет вперед. Мне понравилось, что удалось рассказать историю, где есть главные герои, персонажи, завязка, кульминация, развязка – как в нормальном спектакле. Очень хорошо поработали над оформлением: костюмы чаще всего действительно очень красивы, и стразы впечатляюще переливаются в свете софитов. Хорошо сверху смотрится занавес, на который проецируются различные изображения: особенно правдоподобно выглядела пустыня, что даже не сразу было понятно, что это именно световой эффект, а не сцену резко перекрасили в пустынно-рыжие тона. Мне однозначно понравилось, что лед не стали перегружать декорациями, и дали фигуристам так необходимое им пространство: фигурное катание неплохо обходится и без реквизита, объединяя скорость, танец и музыку. Вместе с тем, не обошлось и без недостатков. Основной провал – режиссерский. Режиссером-постановщиком заявлен Сергей Филин, но он же хореограф, а не профессиональный режиссер. Очень неаккуратно, попросту «грязно» сделаны переходы от сцены к сцене, когда по 2-3 минуты может вообще ничего не происходить, и лед, и сцена погружены во тьму. А ведь нет ничего сложного, чтобы одна сцена переходила в другую: скажем, закончилась сцена фигуристов, и они каким-то легким взаимодействием передали эстафету балетным или наоборот. А так какая-то бессмысленная пауза. О режиссерской слабости говорит и наличие в большом количестве закадровых голосов. Для нормального спектакля, даже балета, просто недопустимо, чтобы какой-то голос объяснял зрителю, что происходит: зритель должен понимать сам. Тем более, что есть программки, куда можно включить подробное либретто, и у «Лебединого озера» они именно такие. Очень большие вопросы вызывает и соответствие закадрового текста и того, что происходит на льду и на сцене. Зачастую, голос повествует, как принц куда-то пошел, что-то сделал, а принца…вовсе нет на льду. Ну как так?.. В целом, этот прием – однозначный минус шоу, и спектаклю точно надо было обойтись без него. Рассказывать не надо, стоит лишь озвучить реплики главных героев. Но не более. Костюмы, как я упоминала выше, очень хорошо оформленные и красивые, но не до конца понятна смысловая нагрузка, которую они несут. Поначалу кажется, что все понятно: черное – это зло, белое – это добро. Вот только здесь так не работает. Лебеди действительно белые, а вот с темными силами не до конца понятно. Костюм Черного мага сочетает в себе и черное, и золотое, и белое. Но самый большой вопрос к костюму принца: почему использовано черное с золотом? Если это положительный герой. Пусть уж тогда будут задействованы нейтральные цвета. А то совершенно не ясно, почему же Плющенко весь в черном. К тому же у всех костюмы богато выглядят и ложатся в общую концепцию, а у Евгения – напротив, скромно и лаконично, как соревновательный костюм, но не костюм из «Лебединого озера». Тем более, такой костюм не подходит принцу. Объединение балета и фигурного катания на деле оказалось сложноватым для восприятия. Я сидела на боковых местах на верхотуре. Следить одновременно и за балетными, и за фигуристами просто невозможно. Частенько они действуют одновременно, и тогда уже пришлось плюнуть на балет и смотреть на фигуристов. В целом, сложилось впечатление, что сделать балетную часть и фигурную одним спектаклем, скорее, не смогли: балетные почти все время танцуют независимо от фигуристов и наоборот. Где происходит основное действие – вопрос. Кроме того, нет четкой концепции, кто же балерины, и кто же фигуристы. В первой сцене задается четкое разделение: на сцене сверхъестественные жители небес, а на льду – земляне. Но потом все смешивается. И вот уже в сцене городского праздника танцуют и те, и другие. Не надо было смешивать! Здесь как раз стоило оставить концептуальное разделение. Тогда и балетные с фигуристами не конкурировали бы за внимание зрителя, а действовали, преимущественно, по очереди, да и взаимодействие их несло бы смысл. Тогда и финальный выход Принцессы-Лебедь на коньках был оправданным: она сменила свой вид. Но когда разделения нет, все выглядит случайным. С точки зрения отражения музыки, хореографии, однозначно, балетные хореографы поработали лучше ледовых. У балетных чаще всего есть танец, есть солисты в центре танца, они более синхронны, чем фигуристы. Даже если балетных много, они работают как единое целое. А вот у фигуристов массовые сцены – это мельтешение, где каждый делает что-то свое, и центра внимания в этом мельтешении либо нет, либо эти солисты-фигуристы не выделены почти при помощи костюмов. Синхронности у фигуристов нет, не предусмотрено, ведь они создают эффект броуновского движения, а зря, красивый продуманный танец выглядел бы лучше. Хотя, конечно, синхронность на льду – это сложнее, чем синхронность на сцене, ведь лед скользкий, плюс скорость: даже команды по синхронному фигурному катанию редко идеально синхронны. Хореография у номеров солистов-фигуристов мне, преимущественно, не понравилась: она очень слабо отражает музыку, чаще всего, это просто демонстрация, что же фигуристы умеют. Ряд персонажей играют и балетные, и фигуристы, и, в первую очередь, это Черный маг. В целом, это неплохой прием в том смысле, что Черный маг пленил лебедей, и должен как-то взаимодействовать с ними, но тогда балетный маг и маг-фигурист не должны появляться одновременно, но появляются. Какое-то раздвоение личности. Это все к тому же вопросу, что часто балет и фигурное катание в рамках шоу существуют параллельно, будто специально игнорируя существование друг друга. У Черного лебедя тоже есть двойник-балерина, зато у принца его нет, и в какой-то момент Евгений Плющенко выходит на балетную сцену. Это сцена соревнования с танцором-Черным магом, и, пожалуй, зря стоило их объединять в одном пространстве, где Евгений заведомо слабее. Двойные аксели на сцене выглядят совсем не так эффектно, как четкие и отлаженные движения профессионального балетного танцовщика. А Плющенко…он далеко не самый пластичный фигурист, и, наверное, будь в главной роли, скажем, Гийом Сизерон, он смотрелся бы на сцене – без коньков – куда органичнее, и не проигрывал бы танцору. В целом, Евгений Плющенко выглядит в постановке как свадебный генерал. У него всего несколько сольных номеров, в его исполнении выглядящих абсолютно немузыкальными, наполненными бессмысленными взмахами рук и излишней экспрессией движений, не подходящей величественной музыке «Лебединого озера». Прыгал Евгений тройные тулупы и двойные аксели: легко, но и прыжки не верх сложности. В основном же, если Евгений на льду был, он просто стоят и наблюдал, как катались и танцевали другие. Костюм фигуристу не очень идет: он визуально его увеличивает (ну или он форму реально сильно потерял), его свет и возвышенность как принца тоже не подчеркивает. Описание и программка создают впечатление, что главного героя много, но в реальности это не так. Аделина Сотникова оставила смешанное впечатление. С одной стороны, она весьма музыкальна, и это заметно даже в такой хореографии, не очень ладящей с музыкой, как в «Лебедином озере». С другой: ее тоже мало, всего 2 или 3 сольных выхода во второй части. Ее номера красивые, но сами движения…ну…было бы интереснее, если бы Черный Лебедь ими зачаровывала, околдовывала, может, затягивала в свои сети, а вот такого очарования от нее я не почувствовала. Это не вопрос к Аделине, это вопрос к хореографам. Хореография как-то не очень работает на сюжет и создание образов, причем, в целом. Прыгала Аделина – спасибо, что не упала: двойной аксель и двойной (!) тулуп. Грустно… Не очень понятно, почему же Аделина так часто пропадала за кулисы, почему ее героиня, после представления, не все время на льду. Странно как-то вписали Черного лебедя. Актерское взаимодействие с принцем – так себе, но фигуристка – не актриса, так что не буду здесь возмущаться. Костюм у Аделины красивый, но очень визуально расширяет ее: не идут ей такие костюмы. Ольга Смирнова (балерина) – красивое видение, очень холодное, очень хрупкое, очень далекое и очень музыкальное. Как возвышенная мечта, как Принцесса-Лебедь она прекрасна: музыкальная, с отточенными, идеальными движениями. Как влюбленная девушка она никакая. Взаимодействие с Плющенко никакое. Однако, в целом, Ольга играла свою роль, а не просто танцевала, так что перед нами была не просто именитая балерина, но ее героиня. Подробнее мне трудно написать, так как в какой-то момент пришлось переключить внимание на фигуристов и отвлечься от балерин. Эмануэль Сандю, фигурист, закончивший свою карьеру еще до того, как я увлеклась фигурным катанием, меня очень приятно удивил. Вот, кто был действительно музыкальным, и смог показать, что даже в этой хореографии можно подчеркнуть музыкальные акценты, двигаться в соответствии с музыкой и ее отражать. Еще фигурист действительно пытался стать своим героем и играть роль. Я бы не сказала, что ему удалось быть сильно темным или сильно магическим, хореография этого не предполагала, но подвижным, запутывающим – да. Это вовсе не романтический образ Черного мага, это маг, действительно опасный и забирающий силы, может, своих жизненных сил и не имеющий, что было отражено в его костюме и прическе. Внешне и по качеству движений, скажем так, Эмануэль выигрывал у Плющенко, как ни странно. Про балетного коллегу Сандю – Гаррета Смита – мне тяжело писать, так как они выступали преимущественно одновременно, и я не могла следить за обоими, остановив свое внимание на фигуристе. Элладж Балде мне никогда не нравился, пока выступал в спорте. То, что он тоже очень музыкален, что он прекрасно слышит музыку, стало для меня открытием «Лебединого озера». Я была очень приятно удивлена. Элладж был очень хорош в качестве локального солиста-шута в каком-то общем номере открытия, но еще лучше ему было Джином в номере позже. Конечно, обе роли небольшие, но даже они позволили разглядеть, что на льду он очень хорош, и со спортом распрощался недавно. Перманентные солисты на льду – Елена Йованович и Нодари Майсурадзе и Анастасия Мартюшева и Константин Гаврин. Иногда мне казалось, что сольных выходов у них больше, чем у Евгения Плющенко. Я не всегда могла акцентировать свое внимание на них, так как они не очень сильно отличались костюмами от массовки, но обратила внимание, что именно Анастасия с Константином сделали единственный в шоу выброс (и Анастасия не упала), а Нодари с Еленой – тот самый как бы тодес на грани, когда весь зал ахает, как бы партнер не уронил партнершу с размаху на лед. Отдельно отмечу, что в шоу участвовали воздушные акробаты: ничего сверхъестественного, я очень не люблю в принципе акробатику на льду, но была удивлена, что артисты из Аргентины и Мексики. И на коньках. Где же все таланты-то оттуда в большом спорте?.. Важной частью истории оказались гномы – Сергей Комолов, Ксения Коробкова, Александр Золотарев. Очень выделю девушку: такая живая, активная и азартная, она полностью вжилась в свою роль веселого гнома, кажется, забывая, что это шоу. Вот она не играла – жила. Очень артистичная фигуристка. Ну и два слова о детях: Саша Плющенко, Марк Соколов, Илина Аскерова (не знаю, это юная балерина или юная фигуристка). Все-таки Саша еще очень маленький и очень заторможенный. Делает заученные движения, причем, довольно неуверенно. Хореография для ребенка вообще вызывала вопросы: зачем он прыгает, вращается и тому подобное, когда по закадровому тексту он общается со звездной принцессой? Где связь? Не очень поняла, зачем Саше был нужен дублер, но Марк намного живее и активнее. Девочки, что балерина, что фигуристка – гораздо серьезнее и четче мальчиков. Про то, что закадровый текст – ошибка, я писала, но не могу не отметить прекрасную работу Сергея Безрукова в озвучивании шоу. Он так читал этот самый текст, на разные голоса, что не сразу и поймешь, что один и тот же человек. Очень здорово получилось. В заключение, напишу про саму ВТБ-Арену. Первое, что неприятно удивило: открыли не все проходы-турникеты и создали очередь. Люди очень тупили около сканеров, куда надо было вставлять билет стороной с штрих-кодом. Не сразу сложили свои билеты. Реально, минуты по 2 стояли и думали. Здесь вопрос один: где стюарды? Почему не помогали? Почему не объявляли периодически, что билеты надо сложить? В том же Мегаспорте стюарды есть всегда, один на пару турникетов, но есть, и, по ощущению, турникетов там больше. Следующий пункт очереди: предбанник, где стояли неработающие ленты, рамки, сотрудники, ощупывающие и с особым пристрастием осматривающие сумки. У какой-то девушки был маленький клатч: даже его с интересом изучали. На этот показной осмотр уходило прилично времени, опять же, в Мегаспорте все проделывали быстрее. А еще заставляли расстегивать верхнюю одежду. Неприятно, но плевать, если бы не одно «но»: до арены надо было еще дойти по улице, то есть сначала расстегнись, потом застегнись и так далее. Зачем?.. К тому же, у вас рамки. Ну, заставляйте расстегиваться только тех, на кого они сработали, а не всех подряд. Вообще, странно, что так обыскивали: это же ледовое шоу, а не футбольный матч. У Плющенко был далеко не аншлаг (кажется, вполне заполнен был только партер и относительно дешевая верхотура, а вот дорогая верхотура и места второго, а не третьего, яруса, заполнены были плохо), а очереди создали. Что будет, когда будет аншлаг, а стадион будет открыт полностью?.. Внутри помещение достаточно просторное и почти удобное, но совсем негде посидеть, одеться, гардеробов нет. Везде эскалаторы, это хорошо, но один к концу умудрился сломаться. Сама арена – места – достаточно удобные, перекладины ощутимо ниже, чем в Мегаспорте, и не так адски перекрывают обзор. Однако любимые сограждане очень любят на поручни облокачиваться, в результате полкатка все равно не видно, либо приходится крутиться самой. И это при том, что без вот таких сограждан и в нормальной позе все нормально видно. В целом, достаточно удобные сидения, и относительно просторно, но в Мегаспорте просторнее. Отмечу, что схема на Кассире не совпадает с расстановкой мест: по схеме мое место было рядом с проходом, в реальности – нет. А еще на арене ЖУТКО ХОЛОДНО. Очень. Можно было бы все свалить на лед, но…ни в одном ледовом дворце, что я была, никогда не было так холодно. Я не замерзла только потому, что была очень тепло одета. Действительно, в такой ситуации гардероб не нужен. Вот такие вот впечатления: в целом, неплохие, но с абсолютным пониманием, что есть еще над чем работать. P.S. Продолжительность, с учетом задержки начала и антракта, 3 часа. Никак не 2:20.
miliuna: "Аленький цветочек" Татьяны Навки, 02.01.2019 Обычно я редко бываю в восторге от ледовых шоу подобного типа, но сейчас именно такой случай: сама удивляюсь. Мне правда очень понравился «Аленький цветочек» Татьяны Навки, наверное, это шоу ближе всего к тому, чтобы именоваться не шоу, но спектаклем на льду. Потому что действительно сочетает все лучшее от разных жанров. Первое, что отличает это шоу – очень приличная режиссура. Это музыкальный спектакль, наполненный самыми разными песнями, и их оказывается вполне достаточно, чтобы было понятно абсолютно все. Короткое вступление и заключение рассказчика имеет место только в начале и в финале, но и рассказчик сам – герой, а не безликий голос за кадром. Шоу не «провисает», на льду все время что-то происходит, и, если закончилась одна сцена, то другая вполне начинается в другой части льда, так что пауз не возникает (а еще мне понравился момент, когда светом лед был разделен, что в одной части одно действие, в другой – другое). Действие развивается также с равномерной скоростью: нам успевают представить всех основных героев, показать завязку, сама история никуда не спешит зря, но и излишне затянутых сцен тоже нет. Героев, в сущности, не очень много, так что свое время есть у каждого, и не возникает ощущения, что какого-то персонажа недостаточно раскрыли. Я не слишком помню именно «Аленький цветочек», но «Красавицу и Чудовище» помню весьма хорошо, и, конечно, основные сюжетные повороты один-в-один. Вместе с тем, несмотря на то, что номинально подсвечники-часы-метелки и в ледовой постановке на месте, они уже не отдельные персонажи, а выкрашенная в золото массовка, что, тем не менее, вовсе не коробит, поскольку уделение внимания еще и им вполне могло бы привести к неоправданному затягиванию шоу и запутыванию зрителя. Единственный момент во всем шоу, который выглядит как «вставной зуб» - это путешествие в Китай, вероятно, нужное лишь для сольного номера Кавагути-Смирнова, хотя даже этот момент вписан достаточно аккуратно. Мне очень понравилось оформление шоу, и здесь, по сравнению с «Русланом и Людмилой», очень большой прогресс. Шоу развернули, сделав его лицом к боковым секторам Мегаспорта, и, таким образом, дав больше пространства фигуристам. Со льда убрали кучу лишних декораций и реквизита: теперь все нужные декорации выезжают в необходимые моменты, или свешиваются, или эффекты достигаются грамотно составленными костюмами. Лед расчистили для фигурного катания! Даже экран и лестницы – единственная неизменная декорация, убрана достаточно далеко к сектору D, что, кажется, от льда она отняла немного места. Очень большое значение играет свет: ох, как он разукрашивает лед, как создает эффекты то дворца, то леса, то деревни, а свешивающиеся с потолка прозрачные декорации-шторы, скажем так, даже и не мешают, зато создают периодически очень красивый эффект, актуальный для той или иной сцены. Помимо этого, стоит отметить спецэффекты, например, горящий лед, причем, важно то, что это не спецэффект, чтобы все ахнули, а часть спектакля, он здесь нужен и уместен. Костюмы мне очень понравились: они отражают характер персонажей, они красивы, а у нескольких вовсе классные костюмы-трансформеры, прежде всего, у самой Татьяны Навки. Удивительно, как в некоторых из них фигуристы умудрялись еще и элементы делать, поскольку ощущение, что было неудобно, оставалось. Понравилась идея с костюмами-лепестками цветка, она создавала эффект и цветка как такового, и пламени, и помогала фигуристам преобразовать костюм или скрыться, когда это требовалось. Конечно, жалко, что вокал в спектакле записанный, пусть и звездами, а не живой, но, в сущности, это небольшой минус. Музыка мне, скорее, понравилась. Большая часть – песни, просто музыки немного. Условно центральная песня частично напомнила основную песню из КиЧ, но, может, это мои «тараканы». Хочу еще подчеркнуть, что фигуристы артикулировали, чтобы создать эффект собственной речи. Пусть и понятно, что речь и вокал не их, но такая мелочь создавала эффект полноценного спектакля, и да, это было не зря. А из поющих мне особенно хочется отметить Филиппа Киркорова, Николая Баскова – очень выразительно! Еще очень понравилось, как героя озвучил Александр Панайотов, хотя его было ужасно мало: он смог интересно расставить акценты и не просто спеть, а показать голосом характер своего героя, такой разный в начале и в финале. Забавно, что Принца и Чудовище озвучивали Панайотов и Григорий Лепс – в этом точно есть ирония, а насчет Лепса мне подумалось, что трудно представить лучше кандидатуру, чтобы озвучить Чудовище. Очень красивый голос у Ани Лорак, и слушать ее было тоже очень приятно. Такая редкость, но мне очень понравилась хореография! Она реально отражала не только музыку, но, в случае с Камердинером, еще и речь, так, что было совершенно очевидно, что персонаж что-то говорит, или что-то делает. Действительно, выразительная, какой и должна быть хореография в ледовом спектакле, где у артистов-фигуристов нет никакой возможности что-то выразить словами, а нужно выражать именно языком тела. У каждого персонажа здесь своя пластика: у Насти – парящая нежность, у ее сестер – мельтешение, у Филиппа – молодцовость, у Чудовища – резкость. Даже массовые сцены: продуманные, а не хаос, так что массовые сцены были танцем со своим рисунком, за которым действительно интересно следить. Если говорить о фигуристах, то главной звездой для меня стал Ондрей Хотарек. Он буквально рожден для шоу. Ондрей исполнял роль Филиппа под вокал, соответственно, Филиппа Киркорова, и ему этот вокал на удивление шел. Потрясающий комедийный дар, фигурист очень убедительно сыграл своего героя – первого парня на деревне, самоуверенного, занятого самолюбованием и окруженного фанатами. Филипп у Ондрея прямо удовольствие получает от внимания девушек, и очень уверен в своей неотразимости, что видно по подаче образа от и до. Поход на Чудовище Филиппа здесь прописан попроще, чем в КиЧ, и это сражение выглядит, скорее, порывом Филиппа, а не вытекающим из представленного характера действием. Неприятным и пугающим мерзавцем герой все равно не становится, оставаясь обаятельным и харизматичным героем. Может, поэтому, его судьба остается как-то за кадром в финале. А еще очень заметно, что фигурист только из спорта, он как молния носится, раз пять сделал прыжок через голову, постоянно прыгал тройные тулупы и сальховы, правда, уронил кого-то из девушек с поддержки в какой-то момент, хорошо, что без последствий. Настенька у Татьяны Навки получилась очень нежной и хрупкой, и в ней точно куда меньше решимости, чем в заморском аналоге Белль. Татьяна тоже играла свою роль: и любовь к отцу, и привязанность к Чудовищу, хотя вот чего мне не хватило в ее игре, так это постепенности: постепенного перехода от страха к симпатии. Пожалуй, сыгран переход слишком резко, но все же это фигуристка, а не актриса. Поэтому много очень буквально: например, когда героиня огорчается, что давно не видела отца, она очень быстр переходит к горю горькому, и чрезмерно выразительно. Впрочем, это небольшой вопрос и к режиссуре и хореографии, но, подчеркну, небольшой. В целом, от Насти Навки создается впечатление, что ей относительно легко все дается, а сама она – несколько витающее в облаках создание. Конкретно что-то трудно сказать о ее характере, потому что ее слабо характеризует происходящее. Она просто действует: любит отца, идет к Чудовищу. Детали, которые, скажем, есть в КиЧ для раскрытия характера главной героини, здесь отсутствуют. Петру Чернышеву было, наверное, сложнее всех: большая часть спектакля в маске Чудовища. Вместе с тем, хочется отметить, как он создал свой образ в начале спектакля: холодный и самовлюбленный прекрасный принц, и насколько иным он предстал в конце. Очень отмечу его пластику Чудовища – зверя, пластику не в полной мере человеческую. Образ создан весьма убедительно. Очень жалко, то у Елены Ильиных так мало было сценического (скажем так) времени: вот бы кому играть Настеньку. А Елена была выразительна даже в своей маленькой как бы роли: вредная, но веселая и улыбчивая красавица. Я чуть-чуть последила за ней и Дмитрием Соловьевым: красота же. Про Юко Кавагути и Александра Смирнова можно только написать, что их танец в Китае был красив, но явно добавлен лишь только ради них. Также упомяну, но не буду расписывать, кто еще принимал участие: Виктор Петренко (Купец, очень органично получилось, к слову), Елена Леонова и Андрей Хвалько, Артур Гачинский, Иван Ригини, Александр Любченко, Жан Дени Санши, Филип Уоррен, Вера Базарова и Юрий Ларионов, Никита Михайлов, Антон Клыков, Татьяна Розанова, Диана Суфларская. Татьяна Навка взяла слово после завершения спектакля, порадовавшись почти полному стадиону: и это правда, трибуны были внушительно заполнены. Татьяна обещала новую сказку в новом году, а вообще хочется от нее и не сказки. Пока что у нее самый убедительный ледовый спектакль, и, уверена, взрослая постановка у нее же получится лучше всего. Также Татьяна представила всех участников, знатно напутав титулы, почему-то не представила Елену Ильиных и Дмитрия Соловьева (ну, мне показалось, что они и на поклоны не вышли). В конце немного об организации. Я совсем недавно вспоминала Мегаспорт как место, где все очень хорошо организовано. Ну, было хуже, чем обычно. Всех на входе гнали на синий пандус (красный был закрыт?), в результате собралась очередь. Шла очередь, тем не менее, быстро, так как стюарды были и помогали людям приложить билет. Внутри очень не хватало точек продажи программок: их было очень мало, и продавцов в каждой тоже не хватало – их рвали на части. Потому что нормальная очередь к таким точкам тоже не выстроилась. Кто быстрее, тот и молодец. Программки дорогие: 400 рублей, но хорошо оформленные. Пришлось потерять время, чтобы программку купить, зато карты принимают – редкость! Программки почти всегда только за наличные. Программка хорошая и красивая, более-менее, информативная, но титулы фигуристов напутаны и в ней. В целом, мои впечатления от «Аленького цветочка» - сплошной восторг! Это полноценный спектакль с хорошей режиссурой, прекрасным оформлением и костюмами, и в кои-то веки хореографией смогли рассказать историю. Я прямо очень хочу еще историй такого уровня. Пока что у Татьяны Навки получилось самое лучше шоу из всех ледовых. P.S. Хорошо, что билеты брали не на верхотуру: там жутко мешают поручни (создают слепые зоны), кроме того, зрители очень любят облокачиваться на эти поручни, перекрывая видимость на полкатка. Я в прошлом году так измучилась.
miliuna: "Щелкунчик" Ильи Авербуха, 05.01.2019 В принципе, «Щелкунчик» Авербуха – то ледовое шоу, на которое я идти не собиралась, которое не интересовало, но выяснилось, что в нем в качестве вокалистов заняты любимые мюзикловые звезды Сергей Ли и Светлана Светикова. Таким образом, «Щелкунчик» оказался завершающим шоу моего марафона по подобным мероприятиям в новогодние праздники. И, признаться, самым слабым. Если о других можно сказать, что они действительно интересны и взрослым, пусть в случае шоу Плющенко с оговорками, то откровенно детская направленность этой елки, а иначе не назовешь, слишком видна, и для меня это точно минус. Если обычно ледовое шоу по уровню, качеству так или иначе выделяется из ряда многочисленных детских мероприятий в новогодние праздники, то «Щелкунчик» - совсем нет. Что такое ледовое шоу, в чем его цель? Это рассказать историю средствами фигурного катания, то есть тем, что просто невозможно и недоступно на обычной театральной сцене. Чем плох «Щелкунчик»? Его можно спокойно сыграть просто на паркете, и ничего не изменится, ничего не потеряется. А трудно что-либо потерять, если абсолютное большинство сцен и номеров фигуристов – это катание туда-сюда с драматичными или пафосными взмахами рук, а вовсе не поставленные красивые номера, выраженные средствами самого красивого зимнего вида спорта. С другой стороны, трудно поставить что-то стоящее, когда каток крошечный, да даже и он не меньше чем наполовину загроможден гигантской декорацией. Ну как тут что-то стоящее поставить? Единственный интересный номер – это танец Маргариты Дробязко и Повиласа Ванагаса в самом начале. Больше выделить и запомнить просто нечего. Любой выход любого героя – это просто катания по всему катку и все! Никакой хореографии, просто ничего. Апофеозом, простите, халтуры становится номер Алексея Ягудина, во время которого он и еще группа артистов лазает по трибунам, пристает к зрителям и даже отбирает чью-то сумку (но возвращает, конечно). Это вообще, что? Какое отношение эта клоунада имеет к фигурному катанию? Правда, жалко даже, что хорошие фигуристы в этом участвуют. Что я отдельно выделяла в шоу Татьяны Навки – это нормальную режиссерскую работу, когда вся история была понятно рассказана при помощи хореографии и песен. Что ж…Здесь и близко такого нет. Я бы даже сказала, что песни и рассказ отдельно, ледовое представление – отдельно. Очень-очень много рассказчика, без которого, признаться, было бы ничего не понятно. Опять же, действие грешит провалами, когда по минуте ничего не происходит, лед в тени, но хотя бы рассказчик развлекает публику. Подход к музыкальному сопровождению откровенно странный: музыка частично вживую, частично – в записи. С песнями та же история. Сергей Ли и Светлана Светикова поют вживую, однако песни какие-то оторванные от происходящего. Кроме того, если то, что поет Ли, можно было разобрать, то к словам Светланы приходилось прислушиваться отдельно. Еще одним участником шоу бывал и Ярослав Баярунас, но его участие уже закончилось. Было жутко интересно, кто же его заменит при исполнении песни Мышиного короля. Так вот, никто. Песня звучала в записи. Героям истории, кроме того, не дали слов: в сущности, перед нами не спектакль, а иллюстрация слов рассказчика, и, не будь его, действие развалилось бы моментально. Мне не очень нравится такой подход: пусть уж получается спектакль. А вот свет мне хотелось бы похвалить: временами действительно красиво, хотя и ничего особенного нет. Как красив и падающий на лед снег: он создает ощущение сказки. Говоря же о прочем оформлении, то, в целом, оно выдержано в стиле: все сладко-сказочное, просто приторное, хотя костюмы выглядят как-то дешево, даже если в реальности дешевыми и не являются. Но мне более-менее понравились костюмы мышей: здесь есть здоровый минимализм, хотя, показалось, хвосты фигуристам здорово мешали. Однако к костюмам мышей у меня есть вопросы. Если с прочими все ясно: простые «в лоб» костюмы, иллюстрирующие «сладкую» жизнь, то вот мыши посложнее. Здесь я бы отметила то, что у Яны и Алексея все же костюмы не единообразны. По костюму Алексея Ягудина я бы сказала, что перед нами должен быть бунтарь и почти рокер: черные джинсы, да и прочее об этом буквально кричат. А вот костюм Яны, хоть и в сером цвете, но с излишними здесь блестками и без рокерских элементов. Костюмы несколько дисгармоничны. Но вот подача, явно режиссерски поставленная, совершенно иная: никакого бунтарства здесь нет, музыкально костюм Алексея Ягудина тоже не оправдан. Зачем же тогда такой многообещающий костюм? А вообще было бы интересно проиллюстрировать именно столкновение двух разных культур, стилей и образов жизни: мыши как новые революционеры и бунтари против праздно существующего воплощения сладкой в прямом смысле слова жизни. Проиллюстрировать это музыкой, костюмами, пластикой, идеей. В костюме Ягудина это заложено, надо было просто развить. Дать ему и Яне номера под какие-то почти роковые (ну, в обработке, с учетом детей) и драйвовые мелодии, четко провести границу. Не делать мышей откровенно отрицательными, тем более, что явная отрицательность и не особо заложена. Что можно увидеть? Героев, пытающихся быть вместе со всеми, но изгоняемых. Не это ли причина их поступков? То есть их можно понять. То есть дать им возможность как-то взаимодействовать и меняться во взаимодействии, как и «сладким» героям. Сейчас же характеры статичны, никак не развиваются. Сделать мышей не однозначно отрицательными стоило бы и еще по той причине, что сама принцесса показана вовсе не чудесной и хорошей девочкой: она, как типичный представитель сладкой жизни, видит лишь внешнюю сторону. Она жестока к мышам, она жестока к Щелкунчику. Какую идею должен вынести зритель? Почему такая героиня – положительная? В целом, подача именно Мышиного короля в исполнении Алексея Ягудина мне очень не понравилась (и здесь вопрос к режиссеру, конечно). В дуэте с Мышильдой – Яной Хохловой – он выглядит инфантильным клоуном, и над ним положено только смеяться. Чтобы ни происходило и не планировалось со стороны этой парочки, именно героиня Яны строит козни, да и осуществляет их тоже она, а братом манипулирует как марионеткой. Ну, зачем героя делать откровенно недалеким? Я не понимаю. В целом, тема мышей вообще не продумана и не прописана, они не тянут на главных отрицательных героев, и даже для них они очень однобоки. Номера Алексея Ягудина мне не понравились, а уж лазание по трибунам, когда на льду ничего не происходит – это за гранью. Яна Хохлова и ее роль мне понравились больше: она очень энергична и активна, и совершенно очевидно, кто тут настоящая королева, и кто тут реально опасен. Татьяна Тотьмянина мне понравилась тем, что играла и перевоплощалась в свою героиню: вполне искренние переживания - от веселья до грусти. Впрочем, роль ее достаточно поверхностная, хотя и главная: никакого развития характера тоже нет, и четкой разницы в ее двух героинях тоже не видно, хотя они должны быть отчетливо разные. Как ни странно, из ее выходов запомнились гонки с как бы братиком за игрушкой: такие искренние, веселые и новогодние. А вот Максим Маринин мне, напротив, не понравился: он показался очень замученным, просто отрабатывающим свою роль, а никак не бравым солдатом, которого изображал. Его сольный выход в один из моментов сорвал аплодисменты, но, реально, там не было ничего, кроме героических взмахов рук. Как я уже говорила, мой любимый номер был исполнен Маргаритой Дробязко и Повиласом Ванагасом, но, помимо родителей героини, они выходили и в номере представления игрушек со всего света, и очень зажгли, прямо с азартом. К слову, в этом же номере были и воздушные акробаты, и как же это, честное слово, надоело: не люблю акробатику на льду или надо льдом, и не понимаю, зачем тащить ее в каждое буквально ледовое шоу. Скучно, выглядит лишним. Так что зрелище получилось ну очень простым и незамысловатым. И это с материалом, из которого, при желании, при умении работать в разных стилях, можно сделать интересную и взрослым, и детям историю. А получилось однобоко и плоско. Плохие потому что плохие, и не интересно, а какие причины. Хорошие потому что хорошие, даже если не все их поступки хороши. Ну нельзя так, мир же не черно-белый. В довершение какая-то странная работа со звуком, то живым, то нет. Ну и этот стиль иллюстрации рассказываемой сказки мне не нравится. Теперь же про организационные моменты: программка дешевая, не очень хорошо сделанная (опечатки, история – либретто написана так, что ничего не понятно, она не сочетается с ролями фигуристов, описанными в программке), актеры в программке перечислены не все. Нет актера-рассказчика, его представили в конце спектакля, но я не запомнила, не указан тот же Ярослав Баярунас, который участвовал в ряде шоу, не указано, кто исполнял песни в записи, не указано, что композитор оригинальных песен (они же оригинальные, я же не ошибаюсь?). Программку можно купить с оплатой картой, но бесконтактная оплата не работает, имейте ввиду. Само место проведения: малая ледовая арена ЦСКА около МЦК ЗИЛ. Сейчас там сплошная стройка кошмарного количества жилья. Идти очень неприятно, хоть и терпимо. Сам ледовый дворец мне, скорее, не понравился. Хоть это и малая арена, но в холле жутко тесно даже для такого количества людей (а никакого аншлага не было), вход в мой сектор 10 и соседний 11 был один, и реально чтобы войти, пришлось отстоять очередь. Чтобы выйти – тоже. Двери очень узкие для спортивного объекта. Показалось, что на катке не очень тепло, в Мегаспорте теплее, хотя и не сказать, что холодно. Что заставило улыбнуться: похоже, билеты распространяли по школам-садам, потому что много детей приходило организованными группами, они заняли весь сектор 11, которого не было в продаже. Это хорошо, всяко лучше, чем елка в местном ДК колхоза Красный лапоть. В общем, получилось как-то так. Я шла не ради шоу как такового, а ради любимых артистов. Артисты, в итоге, пели достаточно мало, хотя и старались, но песни мне не запомнились. В сущности, так себе представление, можно было пропустить без особого ущерба для собственных впечатлений.
miliuna: "Прозрачные краски" на сцене Театриума на Серпуховке, 31.01.2019 Довольно редкий случай, когда спектакль превосходит ожидания. Дело в том, что я изначально ничего хорошего не ждала, так как к антрепризе в принципе отношусь очень настороженно, и планку сразу ставлю достаточно низкую. Причина тому – всего парочка таких спектаклей, после которых стало ясно, что иметь дело с антрепризой – дело неблагодарное, и вообще репертуарные театры рулят. Однако музыкальный жанр и все, что с ним связано, и здесь тоже проявляет себя иначе, нежели драматический театр. Я говорю: «И здесь тоже», потому что, например, в случае регионального театра драматический – это очень не очень, а музыкальный – порою очень даже. С антрепризой, как оказалось, так же. Драма – кошмар и дешевка, а вот музыкальные спектакли (а это, третий, наверное, такой, если «Последнее испытание» причислять к антрепризе) – вполне смотрибельно. Не угадаешь с ними. Но вернусь непосредственно к «Прозрачным краскам». Мое отношение к спектаклю менялось по мере развития действия от мысли: «Что за халтура» до мнения, что в условиях явно небольшого бюджета и среднего уровня материала справились очень достойно. На сцене куб. Не просто куб, а с открывающимися дверцами. Этот куб и пара каких-то столиков-пуфиков играет роль буквально всего. Удивительная многофункциональность и вынужденное обращение к воображению зрителя. Немалую часть спектакля я не понимала, зачем этот куб. Ну вот зачем, почему именно куб, помимо чисто практических целей воплотить весь мир. Но куб-то еще и вертится. И в одной из сцен герой Ивана Ожогина запирает, смыкает створки этого куба вокруг героини Натальи Мартыновой, и крутит-крутит ее. На фоне их разговора это выглядит как то, что ее заперли в клетке, и вся ее жизнь – бег по кругу. Это становится как-то очень отчетливо и понятно, и ясно, зачем такой кубик. Куб вообще - вполне очевидное очерчивание границ пространства, и я обращу внимание, что где-то за кубом постоянно валит сценический дым-пар-туман. Какое впечатление это создает? Что ничего, кроме куба, не существует. Что место действия – оно нигде. Вроде бы реальные локации героев меняются, но в действительности – нет, они все равно заперты в этом квадратном пространстве, где есть лишь створки да ступеньки. Напоминает этот эффект место, потерянное во времени и пространстве, то, что было в фильме «Высотка». Там тоже было это «нигде». Эффект правильный, важный и необходимый. Но…магию отсутствия места рушит периодическое упоминание реальных городов, например, тот же Берлин. Хотя...Где сами герои, мы толком не знаем, они лишь упоминают какие-то географические точки, куда никогда не поедут в этом спектакле. Но все-таки атмосфера чуть раскалывается из-за этого. Здесь стоит обратить внимание, что выбрать местом действия в явном виде Германию, а героями – немцев, на мой взгляд, большая ошибка. История очень локальная, все этим подчеркивается, а сознание наше (и мое, в том числе) таково, что слова «Германия» и «первая половина двадцатого века» неизменно ведут к страшному слову «фашизм». Здесь же это ледяное дыхание надвигающегося ужаса, особенности той жизни в те времена никак не чувствуется, его будто нет. Хорошо, но тогда совершенно точно требуется растворить историю в отсутствии времени, не привязывать к нему, а та же программка четко дает связь, хотя от нее отказаться легко. Германия как место действия странна еще и поездкой героев «на моря». Какая страна была бы более подходящей? Может быть, Италия? Нет, двадцатый век – сложный век. Наверное, Франция или США. К слову, заявленная изначально атмосфера этим странам подошла бы больше. Что еще мне хотелось бы поменять? Я очень абстрагировала бы историю, отвязав от места, от времени. И от имен. Пусть герои будут безымянными. Все трое. В сущности, их имена тоже не важны. Первую часть спектакля я не могла понять, задавала себе вопрос: «Кто все эти люди?». Они появились из ниоткуда и вот живут на сцене перед зрителем. Ни о ком из троих мы не знаем ровным счетом ничего. У них нет прошлого и нет будущего: только настоящее. Мы познаем их прямо сейчас, и мы лишены возможности делать выводы, предугадывать, потому что все герои – загадка. А их характеры? Узнаваемы и даже стереотипны. Сами герои, вся их жизни написаны прозрачными красками. Они есть и в то же время их нет. Имена им не нужны. Говоря же о пьесе, могу сказать, что она не содержит в себе ни глубокой мысли, ни интересной и внятной истории. Тем ценнее то, как это подано! То, что спектакль получился цельным, динамичным и увлекающим. То, что даже такие простенькие декорации - «говорящие», и свет выставлен, отправляя нас, хм, на грань жизни и смерти, где оказались герои. Первая часть – она довольно беззаботна, она – это капризы девушки, угождение ей ее престарелого поклонника и явно «третьего лишнего» - опасного и непонятного карикатуриста. Эта часть не особо легка, но увлекательна, она наполнена вполне смешными шутками, зачастую, на грани. Рассуждения о морали, нравственности и месте в жизни? Скорее, нет, чем да. Это строго отношения троих. Сложные, опасные, как бег по лезвию, увлекательные. Спектакль умудряется держать в напряжении из-за банальнейшего вопроса, достойного второсортных сериалов: попадутся или нет? Не скатываясь в этой загадке в пошлость и глупость. Вторая часть – это квинтэссенция всей мысли спектакля, это окончательное ограничение пространства условными четырьмя стенами. И это настоящая игра на выживание, когда каждый – сам за себя. Настоящий поединок. Неожиданно и чуть ли не на пустом месте появляется очередная интрига, нарастает нервозность, и вот эта пружина в сжатом состоянии до самого финала, отвлечься просто невозможно. Здесь сходится все: игра актеров, музыка, даже полузагадка. Единственное, что чуть разочаровывает – это финал. Он недостаточно сильный для такого нерва, что есть во втором действии. Это финт, конечно, но проигрывает предыдущему эффекту. А еще он все равно открытый. Он отпускает героев в никуда. Получается, что зритель как в замочную скважину подсматривает чужую жизнь, где нет начала, нет конца. Отмечу отдельно, что программка, анонс очень даже вводят в заблуждение относительно характера, атмосферы и генеральной линии спектакля. Помимо упомянутого времени действия (которое, к слову, в самой постановке не обозначается), заявляется расцвет кино, живописи и литературы. Иначе, как с иронией, такое описание воспринимать нельзя. Один из героев – карикатурист, а это очень своеобразное направление в искусстве, это «кривое зеркало» реальной жизни, как, впрочем, и то, что показано в спектакле. Относительно кино… Одна из заявляемых, и громко так, в начале спектакля линий – кино. Героиня поет о нем, она просит своего покровителя ей организовать съемки. Два танцора в образе папарацци. Только эта линия не развивается никак. Совсем никак. Она нужна лишь для встречи с героем Ожогина. Потом все мечты о кино, все-все, что с этим связано, забывается и уже не имеет значения. Линия имеет право на жизнь, но ее сразу необходимо перевести в раздел капризов героини, а не создавать впечатление, это она важна. В связи с этим и постоянные танцоры-папарацци – это тоже лишнее. Линия кино не раскрыта. Совершенно необоснованно постоянно иметь на сцене этих двух свидетелей тайн богатых и знаменитых, ведь ни первых, ни вторых тут нет. Танцоры вообще показались элементом совершенно лишним. Что в выбранном образе, что в каком-то другом. Они не имеют своего лица, что ли. Не то чтобы хореография была плоха, она просто как-то без мысли. Два танцора массовкой быть не могут, так как их всего два. То есть они должны быть солистами, но таковыми они не являются. В сущности, рассказанная история настолько локальная, что ее достаточно играть втроем, и танцоры совсем не нужны. Музыкальная же часть оставила неоднозначные впечатления. С одной стороны, музыка очень интересная, довольно стильная и небанальная. С другой, мне очень не понравилась излишняя статичность актеров во время исполнения песен: они просто выходили на край сцены и пели. И все. Это как-то неправильно для спектакля. Отмечу также, что звук в бельэтаже был не очень хорош: трудновато было разобрать слова, а уж в дуэтах – вообще бесполезно. Худо-бедно справлялся с исполнением с таким звуком только Иван Ожогин. Понять, что пела Наталья Мартынова, было очень сложно. Иван Ожогин же был единственным, кто пел, на мой зрительский слух, профессионально. Обладающая красивым голосом Наталья Мартынова в этом зале звучала будто с «кашей во рту». А Мурад Султаниязов пел строго как драматический актер со всеми плюсами и минусами такого подхода. Наталья Мартынова в роли Магды вызвала у меня неоднозначные впечатления. С одной стороны, она невероятно обаятельна: соблазнительная девушка, играющая роль невинности, на деле хищница. Мило и забавно капризная, как ребенок, но расчетливая и порочная, как падшая женщина. Наталья была убедительна во всех ипостасях своей героини. Ей очень хорошо удалось взаимодействие с обоими сценическими партнерами: она смогла показать даже заботу о пожилом любовнике, что говорило о Магде как о не до конца пропавшей душе. Наталья создает интересно «ломаный» образ: смесь плохого и порочного с даже добрым. Слабости Магды ею крутят, и она не может устоять перед героем Ожогина, но она достаточно сильна, чтобы мириться с необходимостью быть с Глостером. А еще она и не готова его бросать, и здесь уже забота о слабых. Магда часто боится: это резкий страх-испуг от перманентной и очевидной опасности в лице Генриха-Ожогина, и это подступающий и необъяснимый, почти мистический ужас от неожиданно непонятного Глостера. Повторюсь, Наталья реально была убедительна. Но есть два момента, которые мне в ее игре не понравились. Первое – вокал. Точнее, то, что разобрать слова было невозможно. Здесь, конечно, привет «Театриуму», но ведь Ожогина понять было можно. И второе – излишняя истеричность. Наталья играет слишком по-сериальному, зачастую, это выглядит дешево. При всех достоинствах. Мурад Султаниязов чрезвычайно понравился, просто безумно! Поначалу его роль проста, и играет он ее легко, делает своего Глостера милым и забавным старикашкой, который в меру наивен, в меру – нет, который боится своей жены, но хочет быть с любовницей. Такой мужчина, которому «бес в ребро». Им Магда крутит, как хочет. Тем сильнее второй акт. Здесь просто все с ног на голову становится: физически герой очевидно ослабевает, зато морально он становится совсем иным. Подача меняется полностью. Добрая и беззлобная улыбка постепенно превращается в практически дьявольскую усмешку, а уж КАК он играет с Магдой и Генрихом в кошки-мышки – это нечто. Мурад на пустом месте создает интригу. Казалось бы, с его героем все понятно. Все да не все. Он просто вызывает парочку своих обидчиков на поединок, и вовсе не факт, что он здесь слабее. Кажется, он пугает не только Магду, но даже ее любовника Генриха. Чего ждать от такого героя – не ясно совсем никак. А как актер играет беспомощность! Абсолютно убедителен. Невозможно не поверить. Очень круто сделана роль. Иван Ожогин – уникальный артист, который благодаря своему имени способен собрать целый зал. Честно скажу, когда он вышел и включился в спектакль, показалось, что он на две головы выше партнеров по сцене не только по росту, но и по актерской игре. Он в роли Генриха невероятно хорош как сильный драматический артист. Какой мерзкий образ он создает! В то же время, притягивающая опасность, наверное, часть его обаяния. Это бессовестный, бессердечный, порочный, жестокий, абсолютно отрицательный герой. Ни одной положительной черты. Ни одного действия, которое могло бы сказать в пользу героя. Он не симпатичен, но он завораживает. Любовь? Нет! Ни с его стороны, ни со стороны Магды. Только страсть: поглощающая, испепеляющая, безумная. Жестокая. Ох, какое взаимодействие с Натальей Мартыновой: аж искры летали! Настоящая «химия», что не так уж часто встречается. А тут очень убедительно, точно «верю»! Иван очень силен даже в немых сценах. Почти весь второй акт он молчит, но он так подает своего героя, что недостаток речи совсем не ощущается, и Генрих на сцене точно не мебель, а необходимый и неудаляемый персонаж. Повторюсь, Иван был еще и единственным, кто нормально звучал во время музыкальных номеров. Я снова скажу: кажется, что я много критиковала, но в реальности мне понравилось. Почистить надо совсем чуть-чуть. Простота костюмов, простота оформления? Но все это работает на спектакль. Трое актеров на сцене в антрепризе? Но они выкладываются и не халтурят. Пьеса простовата? Но она подана завораживающе. Очень достойно, на удивление. Я очень даже осталась довольна. Жалко только, что зал был совсем не полон. Хотя, наверное, дело в том, что спектакль был в четверг, а это провальный день для театров.
Маша: miliuna, спасибо за такие интересные отзывы, всегда с удовольствием читаю. Есть небольшой вопрос по спектаклю "Прозрачные краски": это всё-таки музыкальный спектакль или драматический с минимумом песен?
miliuna: Маша Это драматический спектакль, в который включено несколько песен. Не очень много,хотя больше, чем обычно включают в драматические спектакли.
Villina: КОЛЯДА-ТЕАТР НА СТРАСТНОМ "Женитьба, или совершенно невероятное событие". «Счастливее всех шуты, дураки, сущеглупые и нерадивые, ибо укоров совести они не знают, призраков и прочей нежити не страшатся, боязнью грядущих бедствий не терзаются, надеждой будущих благ не обольщаются» Эразм Роттердамский Эразм, ты неправ. Знают, страшатся, терзаются и обольщаются они, как всякие другие и даже сильнее, потому что им не дано проникнуть в причины того, что с ними происходит, и не имеют они средств изменить свою печальную участь. Агафья Тихоновна – СЕМНАДЦАТАЯ невеста, отказавшая Балтазару; ну вдумайтесь (ну отсмеявшись). А он всё ходит, надеется, весёлой «развязности» своей не теряет, этот потасканный, потёртый морячок, так и сяк лелеющий единственное яркое воспоминание в жизни – стоянку в Сицилии… кстати, в наполеоновские времена там вполне могли говорить по-французски, чего ржёте… ему б и в шалаше был рай, лишь бы не в одиночестве – но кто в наше время грезит о шалаше? Про «наше время» я не оговорилась. «Женитьба» в театре Н. Коляды – один из тех благословенных спектаклей (и вы только подумайте, прямо сразу вслед за «Тарасом», кажется, это что-то в воздухе), которые стоят вне эпохи. Видимо, тут всё-таки Гоголь. Не он один, конечно, да, скажем – тут всё-таки автор. Как правду ни наряди, она себя окажет. А наряды, конечно, поначалу ставят зрителя в неловкое положение. Прямо как засидевшихся женихов и невест. Все в белом, будто в платьях – или в рясах? Тут вы присматриваетесь и, кроме лиц, начинаете различать костюмы (ассоциации у читающих сие пойдут от фотографий косяками, не буду мешать… сама смеялась). Что они прячут под юбками, уж не простоту ли, добро и правду? Что бы ни прятали, режиссёр дал им возможность это высказать через актёрские работы. Они практически все хороши. Как я не раз замечала, нам «есть с кем остаться» и у нас «с молодёжью всё в порядке». Чуточку не очень понятна мотивация Кочкарёва – о собственной неудачной женитьбе он упоминает совсем вскользь, и, может быть, его безумное желание лишить друга утраченной им самим свободы стоило бы истолковать и смелее… и с тётушкой не всё ясно, хотя она на верном пути Агафья, сваха "три в одной" и все женихи – чудо как хороши вообще без околичностей. И, разумеется, музыканты. Нынче принято говорить – «полноправные участники представления», но нет, конечно, они вправе лишь комментировать действие и, на минуточку, творить ритмическую канву, по которой тут вышивают гладью и бисером. Кстати о бисере: яблоки. Ну да, райский сад. Похватали по нижним веткам, а ни росту, ни крыльев бог не дал – а там, наверху, поди слаще… Нам, Эразм, туда не достичь. Ты расскажи, не пожадничай. Если знаешь… Отдельно мне очень приятно рекомендовать молодого артиста, которого помню и ценю со студенческой его скамьи - Давид Гугулян (Балтазар Жевакин). Наконец-то он снова в Москве, всяческой ему удачи. https://kinolift.ru/4774 А тут билеты http://efirart.ru/event/zhenitba-ili-sovershenno-neveroyatnoe-sobytie/ на 23 апреля.
Villina: Опрос от СТД. Выбирая театр, учтите, что все дальнейшие вопросы будут о нём. Так что выбирайте любимый, даже если вы в него в этом сезоне ходили реже, чем в другие. I Всероссийский Социологический Опрос Театральных Зрителей
miliuna: Самое забавное, что я в любимом театре, то есть в Маяковке, за год вообще не была))
miliuna: "Губернатор", БДТ, 21.04.2019 Дабы не терять время зря, увидеть максимум за минимум времени я решила пойти и в воскресенье в театр, и уже домой ехать ночным поездом. Вторым театром оказался БДТ. Конечно, в первую очередь я посмотрела афишу Александринского театра, в который буквально влюбилась, но здесь меня ждал облом, ибо на их сцене был какой-то танцевальный сторонний спектакль. А вот у БДТ в афише был «Губернатор» - прошлогодний номинант и даже в какой-то номинации лауреат «Золотой маски». Словом, выбрала БДТ. Этот спектакль о губернаторе, погибшем от руки рабочего, и месяце его жизни до смерти. Отсчет времени для него начинается с момента, когда губернатор отдал приказ о расстреле протестующей толпы. Ровно с этой минуты начинает меняться его жизнь, начинает меняться он сам. Спектакль решен визуально достаточно строго. Преобладание серого цвета, но местами, будто не контрасте, резко красный – предчувствие, дыхание будущей революции. Хотелось бы сказать, что серый в «Губернаторе» смотрится достойно, а это очень и очень непросто. Серый – не лучшее решение для сцены. Помнится, совсем недавно я ругала новосибирские «Римские каникулы» за ужасающую гнетущую серость, и несоответствие грима их идее – черно-белому, а в их воплощении серому кино. В мюзикле не уделили внимания гриму. А вот в БДТ уделили. Серые, черно-белые здесь не только костюмы. На лица и тела актеров нанесен грим, создающий эффект документальной съемки. Костюмы выполнены тоже в черно-белой и серой гамме, но смотрятся стилистические правильно. Впрочем, было бы лукавством сказать, что ярких цветов нет. Есть яркие акценты: это помада на губах супруги губернатора, пусть и обрамленная черно-серым гримом, ярко-красный цветок на ее одежде. Это смотрится стильно, ярко. Так, а не румяные актеры в серых костюмах! Без «документального» грима в постановке буквально один эпизодический персонаж. В самом начале на сцене на стульях все-все герои. Серые, но по центру – актриса с красным знаменем. Конечно, с естественным цветом лица. Насколько же предсказуемо то, что постепенно уходящие со сцены – в прошлое – герои оставляют эту девушку одну. В своем собственном обществе, от которого она в ужасе сбегает. Но все же будущая революция – еще не персонаж, она лишь будет и грядет, страшная и кровавая. А пока перед нами история человека. Что за человек этот губернатор? Он кажется немного роботом в своем «раз-два-три-четыре – так ходят губернаторы». Таким нам его представляют: четким, живущим по раз и навсегда установленным правилам. Живущим, на самом деле, скучную жизнь. Без эмоций и чувств. Даже голос за сценой, читающий какой-то важный текст – даже он абсолютно бесстрастный, лишенный красок. Просто текст, причем довольно быстро произносимый. Под стать герою. Герою снятся странные альбиносы-палачи (с красными, да, глазами), и кто они? Ангелы? Шпионы? Гости из будущего или вообще крылатые ожившие горгульи (даже такая ассоциация от них есть)? Смесь робота и человека? Да, наверное, так. Для живущего регламентированную жизнь героя сон про железных (почти) людей – норма. А что же с ним происходит? В нем просыпается человек, и этот человек боится. Жизнь дает сбои. Он уже не считает, потому что получается не кратно четырем (что-то идет не так). Он проявляет эмоции, бунт против нарушения порядка, проявляет эмоции как может. Но больше он осмысливает свое будущее… Как говорит нам голос, губернатору не было жалко тех людей, они будто просто фигурки. Но потом эти фигурки в его собственном воображении оживают, преследуют, дают установку. Установка одна – ожидание смерти. Становится ли губернатору жаль убитых? Скорее, нет… Его совесть мучает не из-за проснувшейся жалости, а из-за осознания неправильности своего поступка. А это тяжко для человека, привыкшего к порядку. Порядка нет, значит, существование губернатора теряет смысл. Нет смысла – есть ожидание смерти. Губернатор ее ждет. Он не просто ее предчувствует. Он ее ждет, как неизбежность, как обязательный финал, который в этой рушащейся России должен произойти ужасно скоро. Почему смерть неизбежна? Губернатор взмахнул белым платком – привычный смысл сдающихся. Он напал, но он и сдался. Сдался на волю победителя, а в его случае победителем оказывается его гибель. Но спектакль можно увидеть и с другой точки зрения. Пока губернатору говорят, что народ тих и усерден, как никогда, народ бурлит. Кипит, видны красные всполохи. Люди зализывают раны, страдают, а еще переполняются отчаянием и ненавистью. Пока губернатор рефлексирует, ищет, кого бы обвинить дабы чуть облегчить свое состояние, народ готовится, даже и не замечая этого. Губернатор рассуждает, как не прав его сын, вспоминая вдруг, что не сын взмахнул платком. Губернатор рассуждает, что люди сами виноваты в своем голоде – лишь ищет виновных, хотя сам вынес себе приговор. А народ бурлит, недовольство зреет, и уже не мирное. Вот часовая неумелая бомба – как символ ненависти и вызова. Вот потерявшая разум женщина, чей ребенок был убит. А вот и письма губернатору, полные злобы. Все полно предчувствием его главного поражения – его смерти. Здесь примечателен эпизод с письмом гимназистки, которой жалко губернатора. Потому что она оказывается единственной, кому не все равно, кто способен проявить доброе чувство к губернатору, даже если он его и не заслуживает. За эту доброту герой цепляется как за соломинку перед тем, как уйти на дно. Даже воплощенному порядку нужно немного человечности. Эта вовсе не длинная история – история об одном человеке. Человеке, который жил так, как надо, как написано. По регламенту. И однажды этот регламент сбился. Белый платок: и все, жизнь пошла наперекосяк. Он стал чувствовать: угрызения совести, страх, жалость к себе, ощущение неизбежного, его ожидание. Отрицание, но потом смирение. Ненавистный для людей человек-должность, человек-мундир оказывается просто человеком. Его в финале жалко, но… и нет. Потому что он пришел к своей финальной точке, и, пожалуй, это для героя облегчение. Роль губернатора блистательно исполняет Дмитрий Воробьев, который проводит своего героя от «как надо» к чувствам и переживаниям, доселе ему неизвестным. Он и четкий, и растерянный, и трогательный. Он докапывается до самого нутра своего героя и показывает его зрителю. Он героя не судит, предлагая зрителю решать, как к нему отнестись. Ирина Патракова играет супругу губернатора, и этот образ отчаянно напоминает Ренату Литвинову. Эта героиня – единственная, кому позволен яркий акцент, может, лишь чтобы подчеркнуть ее хрупкую, пусть и изрядно порушенную вредными привычками, красоту. Она – воплощение уходящей натуры, причем саморазрушающейся. Ее никто не губит, кроме нее самой. Героев, эпизодов, проносящихся мимо губернатора так много, что невозможно выделить и запомнить всех. Пожалуй, стоит лишь перечислить остальной актерский состав: Андрей Феськов, Алиса Комарецкая, Диана Шишляева, Максим Бравцов, Ольга Ванькова, Анатолий Петров, Валерий Дегтярь, Рустам Насыров, Геннадий Богачев, Сергей Лосев, Георгий Штиль, Аграфена Петровская, Руслан Барабанов, Александра Магелатова, Дмитрий Мурашев, Егор Медведев. Спектакль тяжелый, и производит сложное впечатление. Он оформлен изумительно: строго, но выразительно. А еще он не успевает надоесть: небольшая продолжительность без антракта только в плюс: не сбивается нерв постановки. Сам БДТ произвел тоже двоякое впечатление. Красивейшее здание, но внутри жуткая теснота: как в гардеробах, так и в фойе. Если в Музкомедии были красивейшие залы, то в БДТ такого нет. Сам зал театра небольшой, видимо, недавно отремонтированный, зато совершенно не тесно. Кстати, я так поняла, что в гардеробах работают камеры хранения: это же замечательно. Но я свой рюкзак оставила в камере хранения на вокзале. БДТ, как ни странно, довольно далеко от метро: минут 15, но находится на красивой набережной. Я вполне довольна, что решила пойти и в воскресенье в театр. Здесь хочется особое спасибо сказать мудрости БДТ, который ставит спектакли в воскресенье в 18:00! Огромные молодцы! Это позволяет успеть на более ранний поезд. Ну и прогуляться до вокзала пешком это тоже позволило, так как страшновато было бы идти по темным улочкам Петербурга, если бы солнце уже зашло.
miliuna: "Toruk. Первый полет", Cirque du Soleil, ДС Лужники, 02.05.2019 Когда я собралась на это шоу, то боялась, что уже опоздала. Но, к счастью, шоу в Москве достаточно долго. Для меня это всего лишь третье представление Цирка дю Солей – единственного цирка, который мне нравится. На сей раз, действие разворачивается на планете Пандора – в мире «Аватара». Конечно, может показаться, что тема уже давно не актуальна, но «Аватар» открыл миру новую красоту, а красота устареть не может. Как можно догадаться, «Торук» - театрализованное шоу. Это не условный сюжет, как в прошлогоднем «Ovo», а вполне конкретный: юношам из одного из племен Пандоры надо собрать пять артефактов, чтобы предотвратить катастрофу. В процессе они посещают разные племена и разные места на планете, а одному из них покоряется легендарное существо – Торук. В сюжете нет ничего сложного, сюжет-путешествие, достаточно банальный драматически с предсказуемыми сюжетными поворотами. Единственное, что кажется неожиданным для представления Цирка дю Солей – это наличие рассказчика, объясняющего, что же происходит на арене. Удалось ли в Лужниках создать чарующий мир далекой планеты? На мой взгляд, скорее, нет. Виной тому декорации: в них слишком много «тряпок», которые просто не способны принять формы инопланетных пейзажей. Слишком много элементов, выглядящих для Цирка дю Солей дешево, особенно, это касается животных. Категорически мне не понравились волко-собаки, которые представляли собою кукол, которых таскали одетые в черное артисты. Сам Торук – гигантская птица – выглядит еще более-менее сносно, но вот эта тряпичность делает его похожим на оформление детского утренника. Не солидно для Цирка дю Солей. Пожалуй, нет смысла в большой концептуальности и минимализме, но оформить можно было дорого. Не в смысле денег, а в смысле того, как это выглядит - стильно. Может, использовать иные материалы. Декорации, увы, не создавали Пандору, а разрушали ее. Зато другой элемент оформления был великолепен. Свет!!! Какой тут свет!! Это же просто нечто! Даже не свет в чистом виде, но проекции, такие реальные, что захватывало дух, что реально казалось, что на Пандоре землетрясение, что ее заливает водой или вовсе раскаленной лавой. Иллюзия была реальной. Самое начало шоу построено именно на свете, и выглядит максимально эффектно! Свет в первую очередь менял локации и воплощал разные места, где обитают племена Пандоры. То, что зависело от света, было восхитительно. Пожалуй, думаю, стоило еще больше отдать на откуп свету, раз уж декорации, скорее, мешали. Могло бы получиться интересно. Тех же животных можно было бы воплотить проекцией. Тем более, что во вступлении, когда Торук был лишь тенью, он выглядел куда эффектнее, чем появившись в реальности. Костюмы тоже очень хороши. Не знаю, как, но художникам по костюмам удалось создать эффект синей кожи, что не возникало ощущения, что это костюм. НаВи были настоящими. Даже искусственные хвосты смотрелись относительно правдоподобно. Хочется отметить, что, хотя все жители планеты ходят в полуголом виде, художники смогли выделить главных героев так, что перепутать их с остальными невозможно. Так же художники смогли придать индивидуальности каждому из племен. Как я уже упоминала, в «Торуке» есть сюжет. Этот сюжет подразумевает наличие главных и второстепенных героев и их приключения. Прямо скажем, над характерами героев не заморачивались совсем, хотя могли бы, и артисты Цирка вполне способны выразить характеры движениями. С этой точки зрения совсем не ясно, зачем одного делать молодцом, что прошел испытание, а второго – нет, если в постановке это не особо раскрывается. Есть, наверное, всего один интересный личностный элемент, и то я не уверена, что он не получился случайно: Энту первым берет канат, на который в испытании надо забраться, но Ралу его буквально отбирает. Это характеризует Ралу, но в дальнейшем тема никак не раскрывается - оба герои, что наталкивает на мысль о случайности. Также в «Торуке» есть и главный женский персонаж, но зачем героиня была введена, остается загадкой. Ни романтической линии, ни отдельной линии, раскрывающей ее характер или хотя бы предназначение, в постановке нет. Путешествие героев – это охота за артефактами, принадлежащими разным племенам. Как правило, все развивается по одному сценарию: герои приходят на землю племени, пытаются получить артефакт, получают отказ, пытаются убедить, получается. Ничего извращенного или необычного в каждом случае нет. Единственное отличие касается последнего племени, которое готово помогать ребятам. К сожалению, не добавили авантюристский элемент, элемент приключения; взаимодействие с племенами достаточно банально. Финал выглядит интереснее, здесь есть драма, надежда, отчаяние и потом спасение при помощи одного из героев. Думаю, можно сказать, что столь упрощенный сюжет есть расчет на детскую аудиторию. Простые характеры, балансирующие на грани их абсолютного отсутствия, оформление, местами слишком буквальное и порою перегруженное – все это наталкивает на мысль о сказке для детей, а не об «Аватаре». Теперь же о номерах. Это точка моего главного разочарования. Большая часть – массовые номера, частенько без центрального элемента, что не знаешь, куда смотреть. Впрочем, даже если элемент есть, то хореография и постановка номера далеко не всегда подходит ситуации и говорит со зрителем на языке тела. Слишком часто возникает ощущение, что номер ради номера. Очень огорчило отсутствие серьезных сольных номеров для ключевых персонажей и встречаемых ими личностей. Плюс все номера плюс-минус похожие – упражнения с канатом, в них нет разнообразия. Более-менее мне запомнился номер на скелете животного и сам полет Торука. Есть несколько музыкальных номеров, плюс красота возрождения древа жизни (или как оно называется) в финале. Но это спецэффекты. А интересных именно цирковых номеров не было совсем. Кстати, о спецэффектах. У шоу есть специальное приложение (я не скачивала). В ряде моментов в зале телефоны начинали по-разному мигать – вот он, смысл этого приложения, видимо. Я упоминала, что в шоу есть рассказчик, подробно повествующий, что и почему происходит в волшебном мире. Как правило, наличие такого рассказчика – показатель режиссерской слабости. Думаю, это вполне применимо и к «Торуку». Без рассказчика понять, что, почему, зачем, невозможно. Хотя есть же язык тела, и вполне очевидно, что труппа могла бы при более сильной режиссуре рассказать историю без рассказчика. Впрочем, учитывая, что постановка в целом по многим параметрам не на высоте, то и наличие персонажа не удивительно. Побывав ранее на двух спектаклях Цирка дю Солей, я рассчитывала увидеть грандиозное, поражающее воображение и качественное зрелище. Но «Торук» очень проигрывает. Если не считать акробатических номеров и умопомрачительного света, то частенько складывается впечатление, что это – детский утренник. Здесь нет запоминающихся номеров, сюжет прост, герои не имеют индивидуальности. В сущности, здесь нет ничего, за что я полюбила Цирк дю Солей. Отдельно скажу, что ну очень не люблю ДС Лужники, и это очень грустно, что Цирк дю Солей упрямо выбирает этот дворец. Есть же Мегаспорт, куда более удобный! Но даже следующее ледовое шоу ЦДС будет в Лужниках, увы. В Лужниках ужасно мало места между рядами, и лезть в середину ряда просто страшно. А еще это усугубляется тем, что на арене просто темно. Свет в зале не включают, наверное, чтобы не было видно декораций. Прекрасно, но тогда надо выбирать место побезопаснее. Помимо этого, отмечу, что очень подорожала программка по сравнению с прошлым годом. 800 рублей – это ну очень дорого, вне зависимости от ее качества.
Villina: Куда пойти с детьми в Карелии: http://mrteatr.ru/repertoire/current/12445.html
miliuna: Crystal, Cirque du Soleil, ДС Лужники, 01.12.2019 Шоу Crystal канадского Cirque du Soleil позиционируется не просто как первый эксперимент знаменитых акробатов со льдом, но как сочетание возможностей цирка и льда. Звучит заманчиво, но так ли это на самом деле? Ледовых шоу я видела много, и действительно достойных среди них единицы. С Cirque du Soleil статистика куда лучше. Тем более, что в случае с Crystal акцент делается именно на шоу, так как известных в мире фигурного катания имен там просто нет, только хореографы-постановщики. Итак, шоу про девушку с чисто ледовым именем Кристал и безудержным воображением, которую настигает творческий кризис и непонимание со стороны окружающих. Кристал в российской версии можно трактовать и как близость ко льду, и как связь с чем-то мистическим, взгляд в необыкновенное, так что имя у героини говорящее. Кризис приводит девушку на лед озера, под который она весьма красочно проваливается. В подледном мире она встречает отражение себя – альтер-эго. На этом сюжет заканчивается. Все остальное – плод воображения Кристал и последствия ее творческих поисков. С самой же героиней более ничего не происходит. Стоит отметить, что, вопреки традиционному моему представлению о Cirque du Soleil, здесь присутствует текст. Нет, это не диалоги, но это закадровые монологи Кристал, призванные сделать ее мир понятнее. Не помогает! Монологи весьма отвлеченные, как они связаны с происходящим, остается только гадать. В целом, что хотел изобразить автор в каждой сцене, чаще всего не понятно до конца – в лучшем случае, происходящее просто вызывает любопытство. В продаже, конечно, есть программка (800 рублей!), где все написано. Однако ознакомиться с ней мешает тот факт, что в зале и во время антракта неимоверно темно, а текст очень мелкий. Я не смогла прочитать вовремя. Конечно, это не ледовое шоу в чистом виде. Здесь сочетается акробатика и лед, и чаще всего не в пользу последнего. Ледовая хореография выглядит достаточно примитивной и скучной. Фигуристы задействованы минимально, причем чаще всего как массовка. Crystal постигло проклятие абсолютного большинства ледовых шоу: массовые сцены выглядят как броуновское движение, а не как единый танец, не как что-то, наполненное идеей, причем это усугубляется разнородностью артистов, находящихся на льду: акробаты делают что-то свое, фигуристы – свое. У фигуристов, к слову, нет ни одного действительно сильного и красивого номера, как и у главной героини Кристал, которая, в первую очередь, фигуристка. Ну как так?.. Главная героиня – и без номера. Максимум же, что можно было увидеть в исполнении фигуристов – это пара достаточно обычных вращений, двойной аксель, несколько ничем не выдающихся поддержек и двойных выбросов. Ладно, не страшно, если бы было реально красиво и музыкально. Но нет – все достаточно примитивно, и в интерпретации музыки слишком просто. Но в шоу все-таки были эффектные номера. Один из них – номер хоккеистов. Да-да, на льду на сей раз не только фигуристы. Хоккеисты вовсе не показывали что-то под музыку. Основная идея их номера – безумная скорость, прыжки и перевороты на трамплинах. Пожалуй, это просто звучит, но выглядит очень эффектно. Несмотря на незатейливость идеи. Другой эффектный номер – номер со стульями. Тот, где акробат выделывает всякие гимнастические упражнения, стоя на десятке поставленных друг на друга стульев. Хорошо хотя бы, что акробат со страховкой, иначе было бы просто жутко. Тем более, что стулья порою еще и качаются. Гора стульев, и один человек на ней. Что он воплощает? Что человек – хозяин офиса?.. Ну или это о том, что стать большим начальником можно, лишь посидев на десятке стульев ниже? Не знаю, скорее всего, просто номер. Третий интересный номер – это номер Кристал в воплощении гимнастки и воздушного гимнаста без страховки. Парный романтический номер, когда происходящее очень впечатляет (на этот раз обошлись без страховки). На этом эффектные номера заканчиваются. Большой минус этого шоу – к моему удивлению – костюмы. Они категорически не подходят для льда. Какие-то черно-бело-серые и с капюшонами у массовки, они вообще не привлекают внимание, хочется, чтобы их сняли. Костюм самой главной героини столь же сер и скучен. Она не выделяется на фоне массовки! Она теряется на фоне всех этих людей. Как же так… Какое-то элементарное театральное правило. Ну, можно было бы блестками расшить хотя бы. А вот плюс – это свет. Он шедеврален! Уже в который раз я восхищаюсь светом в представлениях канадского цирка. Как безумно эффектно смотрится провал Кристал под лед, когда она парит в лучах софита, а вокруг какие-то маленькие капельки! Как красиво разукрашивает свет лед, создавая иллюзию многих мест и ситуаций! Свет – это лучшее в данном шоу. Ну и пару слов заслужила сама исполнительница главной роли Кристал. Заявлена канадская фигуристка, которую я вообще не знаю, не узнала, она ли это. Но отличает ее катастрофическое скольжение. Его вообще нет. Я не знаток всех этих едет-не едет, но эта фигуристка просто пешком по льду ходит. Скольжения нет вообще. Она в принципе не способна набрать скорость. Неудивительно, что у Кристал нет сольника: такая исполнительница его просто не выкатает. Она выглядит очень тяжело, с трудом едет. Любая альтер-эго Кристал катит в разы лучше и легче, даже девушка, что исполняла воздушный номер, но вышла сначала на коньках, едет лучше. Центральной героини просто нет. Роль Кристал также исполняет гимнастка, и она, конечно, посильнее фигуристки, и выглядит интереснее. Но Кристал, в первую очередь, фигуристка, а тут такой провал с исполнением. В целом, шоу достаточно среднее. Есть буквально три интересных номера, но на этом все. Нет, это не прорыв и не новое слово в ледовых шоу. Для этого здесь нет органичного переплетения двух видов искусства, чтобы они перетекали друг в друга и дополняли, здесь они, скорее, конфликтуют. Это не прорыв и из-за простенькой хореографии. С театральной точки зрения здесь фактически нет главной героини – она не ведет сюжет и действие, она в стороне. Зачем она нужна? С точки зрения цирка здесь мало эффектных номеров. Костюмы тоже далеко не шедевра. Получилось просто, получилось так, что денег за билеты не оправдывает. Брать можно только самое дешевое, иначе разочарование будет слишком серьезным. На самом деле, хотелось бы от Cirque du Soleil ледовых шоу, но достойных, когда серьезно и вдумчиво создатели подойдут ко всем элементам шоу, а не как сейчас: всего понемногу, а в итоге на выходе простой и достаточно безликий продукт.
miliuna: "Человек из Подольска", театр Приют комедианта, онлайн-трансляция Я никогда не была в театре «Приют комедианта» по очевидной причине: я москвичка. Я никогда не видела их постановок по той же причине, но еще и потому, что вмешался коварный коронавирус, и деньги за билет на «Преступление и наказание» в рамках Золотой маски вернулись, спектакля в Москве не состоялось, так что не сложилось. Однако, наше вынужденное сидение дома все же приносит определенную пользу: в сети, а именно в группе театра, состоялась трансляция «Человека из Подольска» - известнейшей пьесы, поставленной не единожды и в Москве. В моем списке того, что я хочу посмотреть, «Человек из Подольска» Театра.doc и «Человек из Подольска Сережа очень тупой» театра «Практика» (если я не перепутала) тоже значатся, но посмотреть их я не успела. Вот и получилось, что петербургский вариант постановки этой пьесы оказался первым, который я увидела. Но я признаюсь: едва ли я была столь заинтересована в просмотре, если бы не потрясающий актер Дмитрий Лысенков, который покорил, блистая на сцене Александринки, а теперь раскрывает новые грани своего таланта уже здесь. Так что я с определенным интересом всегда поглядывала в сторону «Приюта комедианта», но пока не складывалось: чтобы москвич мог увидеть спектакль в Петербурге, этот спектакль хотя бы должен попасть на выходные дни. В том году я была в Петербурге, но не совпало. Поэтому я очень рада такому, пусть и онлайн, знакомству с постановкой. Признаюсь, пьеса меня удивила. Она очень…странная. Сама по себе, безотносительно постановки. В постановке как раз ничего инновационного нет: на сцене узнаваемый интерьер обычного отдела полиции, не переосмысленный, не рассмотренный под иным углом. Спектакль складывается благодаря обычной обстановке и крайне необычному и противоречивому наполнению. Полицейские, с одной стороны, ведут себя так, как они могут вести: проявляя свою власть, творя, в общем-то, беспредел, просто беспредел странный. Весь спектакль – разговор между нашим человеком из Подольска Николаем и задержавшими его полицейскими, а также задержанным когда-то человеком из Мытищ Сережей. Разговор на философские темы, где полицейские учат смотреть на мир иначе, поучают, стыдят, раскрывают глаза обычному неудачнику Коле. С одной стороны, такие полицейские должны вызвать у зрителя симпатию. Мораль, которая бросается в глаза: надо искать красоту во всем и ценить то, что есть. Не принижать, а учиться видеть хорошее. Элементарная мораль. Полицейские в этой ситуации выбраны как представители власти, которых волей-неволей приходится слушать и делать, что говорят. Они проще могут донести свои идеи до Николая. В какой-то мере такие полицейские напоминают школьных учителей, которых тоже можно рассматривать как своеобразную полицию и власть над детьми, только власть над взрослыми есть совсем у других уполномоченных лиц. Допрос Коли частенько напоминает экзамен, а его поведение выглядит как поведение студента, к этому экзамену не готового. Финал спектакля должен убедить зрителя, что добрые полицейские смогли наставить Николая на путь истинный, сделать из него другого человека. Однако, однозначно принять такой взгляд на постановку я не могу. Меня смущает одна вещь: насилие над личностью. Оно все равно есть. Если стереотипные полицейские-антигерои применяют насилие физическое, то эти – моральное. Они не бьют и не мучают Николая, но они втаптывают его в грязь своими проповедями. Деланное восхищение Подольском, его сопоставление с Амстердамом – это смешно и фальшиво, все это лишь дымовая завеса того, что эти люди унижают свою жертву, которая не может им ответить. Они заставляют Николая вспоминать абсолютно неважные детали его жизни, вроде пути на работу, который каждый из нас проходит как робот. Восхищение одинаковыми хрущевками: серьезно? Восхваление цементного завода – бурные аплодисменты? С ЭТИМ зритель должен соглашаться?.. Все это вовсе не попытка научить видеть красоту вокруг нас, это попытка подмены понятий. Ешь что дают и не возмущайся. Вот что это такое. Попытка убить природное человеческое стремление к красоте. Если для человека достаточно хрущевки, он никогда не станет стремиться увидеть Саграду Фамилия, допустим. Быть может, капитан полиции и выглядит умнее и образованнее человека из Подольска, но то, что она делает, уважения не вызывает. Опять же, очень важный момент связан с обсуждением музыки главного героя, его игры в группе. Почему это увлечение приводит к унижению Николая? Почему обязательно сопоставлять маленький любительский коллектив и известных звезд? Почему даже в обсуждении творчества сквозит презрение к обычному человеку?.. Эти полицейские не вдохновляют главного героя, а отбивают всякую охоту заниматься тем, что он любит, а ведь стоит обратить внимание, что оживление герой проявляет именно при обсуждении музыки. Здесь подтекст тот же, что и при обсуждении Подольска и Амстердама: знай свое место, и не высовывайся. Это не помощь, а разрушение человека. Может, Николай и не прав, обвиняя соотечественников в безразличии, но полицейские опровергают эти слова через унижение его самого. Это очень неприятно. Важный аспект – обсуждение личной жизни героя. Еще один, где не обошлось без унижений. Унижений и его самого, и его бывшей жены, нынешней девушки. Зачем, зачем тыкать человека и говорить, что ты ноль? Да, возможно, здесь есть что-то от психологии, и герою все разложили по полочкам, но получилось неуважение ко всем участникам его жизни. Человек из Мытищ Сережа – это будущее Николая?.. Получается, что так. А что же тогда выходит? Знающий население всех городов Московской области, хорошо танцующий парень, но! Явно поехавший, покорный. И – главное – сидящий в клетке. Вот к чему ведут все эти разговоры. К потере свободы, какой-никакой, но свободы. Делай то, люби это. А сам ты ноль. Вся постановка построена на унижении отдельно взятого человека, на том, чтобы показать, насколько он ничтожен. Важнее его самого что угодно и кто угодно, и, не в последнюю очередь Россия и воплощение ее Подольск. При этом подано это так нравоучительно, что буквально сподвигает восхищаться и чепчики в воздух бросать: нас учат любить Родину, любить и замечать мелочи, глаза открывают. Ничего подобного. Что делают эти полицейские на протяжении спектакля? Они делают человека несчастным. Они убивают в нем личность. Учат маршировать под команды других людей. Учат довольствоваться малым, не стремиться к большему. Может, они и правы, что Николай живет как на автомате, не чувствует себя счастливым, он сер и скучен. Но после этой ночи в полиции он становится несчастным, он начинает это понимать. Они не предлагают это изменить, нет. Они навязывают свой взгляд на жизнь, но разве это нужно? Просто человек становится несчастливым человеком. Это – счастливый финал?.. Нет, это не полиция в идеальном мире, как кто-то написал. Это та же полиция, вид сбоку. В спектакле задействованы Дмитрий Лысенков, Марина Солопченко, Сергей Власов, Женя Анисимов, Виталий Кононов. Отмечу, что сложных и противоречивых характеров, страданий здесь нет, все довольно просто и поверхностно. На Дмитрия Лысенкова прекрасно ложится образ простого парня из Московской области, здесь униженного, частенько раздавленного, оживляющегося лишь при разговоре о музыке. Мне кажется, он не играет новое познание и озарение после разговора, скорее, его Николай хочет уйти поскорее, и это мне импонирует, ибо нечем тут вдохновляться. Марина Солопченко играет не столько полицейскую, сколько типичную учительницу, вдохновенно рассказывающую детям то, от чего зубы сводит, и во что никто не верит. Достаточно напыщенно, впрочем, специально напыщенно. Если капитан здесь учительница, то полицейский – экзаменатор университета, среднестатистический преподаватель, знающий свой предмет, и ничего более. Веет от него тем, что от предмета он катастрофически устал. Живенький Коля (я так понимаю, Женя Анисимов) чудо как хорош в своем полубезумии, добавляет юмора в этот спектакль. Вот такие неожиданные выводы получились у меня из этой постановки. Надо сходить и на московские спектакли, интересно, какова подача в других театрах. Пожалуй, оно того стоит.
Villina: Шекспир в 3013 году. "Антоний и Клеопатра"
полная версия страницы